STRANGELOSCOPIQUES

The Green Hornet

2012-01-25T10:40:00.002+01:00

J'ai fait partie de ceux qui, effrayés par la formule "gros budget+Michel Gondry", ont fait l'impasse lors de la sortie en salle dudit Green Hornet, par peur de voir dilués dans la soupe hollywoodienne les petits plus qui nous plaisent tant chez Gondry : la bricole, l'inventivité l'amour du pastiche et ce goût sans fin pour la culture des séries B, des séries TV, des comics...

Et bien mal m'en a pris. Ce Green Hornet, sous les oripeaux du popcorn movie, porte en lui ce truc qui fait le charme et honnêteté des films de Gondry. Ce Green Hornet est un pastiche de film de super-héros, voire même un pastiche de Batman, où tout ce qui fait l'origine de l'alter-ego de Bruce Wayne est ici inversé, en faisant d'un duo de sales gosses (également peu enclins à partager avec Peter Parker cette idée du "grand pouvoir, grandes responsabilités") les héros du film, qui d'ailleurs rappellent plus le buddy movie façon Lethal Weapon que le couple Batman-Robin.

Et c'est d'ailleurs sûrement cette étonnante mayonnaise, propre aux films de Gondry, qui fait le charme de ce Green Hornet, où tout élément porte le germe de son pastiche sans jamais le ridiculiser (le méchant joué par un Christoph Waltz est à ce titre révélateur). Et je serai même tenté d'y voir tout autant et voire plus un hommage à ces fameux buddy movies qu'un "simple" film de super-héros, ne serait-ce que par le peu de considération que nos héros ont du bien public, mais aussi par leur relation, les origines éloignées et la jolie fille au milieu.

Et si Michel Gondry garde cette sincérité, je lui promets de ne plus jamais douter de sa capacité à faire d'une commande un film qui porte sa griffe. Car, pour moi, ce Green Hornet entre tout droit dans mon top des films de super-héros.

Thor

2012-01-18T09:36:00.001+01:00

Chez Marvel Comics, je le dis tout de go : les Vengeurs ne sont pas ma tasse de thé. Moi, mon truc, ce sont les mutants, avec ou sans X. Et Thor est bien l'un des héros de la Marvel qui, dans le lot de ceux qui ne font pas frétiller mes neurones de fanboy, refroidit, sans jeu de mot avec les rigines du sieur Thor, sans forcer mes ardeurs geek parfois peu avouables.

Et quand j'ai su qu'une idôle de ma jeunesse, Kenneth Branagh, celui- là même qui ouvrit mon esprit à Shakespeare (et je l'en remercie à jamais), se chargeait de réaliser, je me disais alors que le besoin d'argent fait faire de drôles de choix (même si je n'ai aucune preuve de ce que j'avance, bien évidemment).

Jamais foncièrement réussi, pas non plus totalement raté, Branagh signe un pop corn movie bien calibré, ni plus ni moins, où il ne se passe tout de même rien de passionnant. Une intro bancale, une réalisation parfois aussi (littéralement d'ailleurs, mais quel est donc cette manie et l'objet de basculer la caméra à l'oblique, à moins que cela soit un drôle d'hommage au nanar scientologue Battlefield Earth, le film 100% décadré), des décors d'Asgaard qui font des réception de l'ambassadeur un modèle de sobriété, des séquences terrestres rarement captivantes. Et puis des fois, on se raccroche au wagon, surtout parce que le personnage le plus intéressant du film n'est pas Thor mais son frère Loki. La fin fratricide est d'ailleurs le meilleur moment du film, où l'on sent que Brannagh a pu lâcher un peu les chevaux d'une production malgré tout bien trop calibré pour en tirer réellement quelque chose. Même Natalie Portman, qui d'habitude apparaît à nos yeux si délicieuse, nous semble fade et potiche.

Il s'agit ici clairement d'introduire Thor en vue de la grande réunion des Vengeurs au cinéma. Mouef... Plaisant, mais sans plus, que Brannagh retourne à ce qui l'emballe vraiment, ou qu'il nous fasse un vrai film de super-héros avec de l'enjeu et de la tension. Gageons en tout cas que ce n'est pas ce film qu'on retiendra de sa filmographie.

A Dangerous Method

2012-01-17T23:28:00.004+01:00

Pour quelqu'un, comme moi, qu'une formation a, il y a quelques années, initié aux rudiments de la psychanalyse, l'exercice est ici délicat : parler de cinéma sans tomber dans l'explication de texte psychanalytique. D'une part, cela serait ridicule et affreusement ennuyeux. D'autre part, j'ai beau me débrouiller avec quelques concepts, il serait particulièrement hautain de ma part d'oser la critique d'un point de vue psychanalytique. Donc parlons cinéma, voulez-vous ?

Et bien, je n'y arrive pas. Pour moi, le film est réussi, sans aucun doute. Les acteurs sont impeccables, avec une mention spéciale à Keira Knightley, qui sortie de son île aux pirates qui l'a starifié nous montre ici tout son talent. Mais je ne me dépatouille pas de la psychanalyse et de ses querelles de clochers. Je sais que les freudiens trouveront ce film trop jungien, avec comme principal argument que Cronenberg, en tant que nord-américain, est forcément plus jungien que freudien, la pensée de Jung, à l'inverse de celle de Freud à laquelle l'Europe reste fidèle, a conquis lui le Nouveau Monde. Et comme je n'ai pas été endoctriné par les jungiens, je n'ai aucune idée de ce qu'ils peuvent penser du film.

Et nous revoilà à parler d'autre chose que du film. Le film n'a pour moi d'ailleurs que cure de ces querelles de clochers. Par l'intermédiaire de Sabina Spielrein, Cronenberg met plutôt Freud et Jung dos à dos, les renvoyant à leurs contradictions d'homme, à leur concours de zizi conceptuel, mais aussi au fait qu'ils soient des hommes de leur temps, bien ancrés dans les tensions (la judaïté et l'antisémitisme sont plus que prégnants) et les tabous de l'époque (comment ! Les femmes ont une libido ? Et les enfants aussi ? Et même les hommes ?). Car le sujet qui intéresse ici Cronenberg n'est pas tant la querelle Jung-Freud, mais ce que ces deux joyeux drilles ont libérés, au travers de leurs aliénations profondes et respectives.

Et c'est d'une libération majeure dont il s'agit : celle de la parole. Car au commencement était le verbe, et libérer celui-ci, c'est offrir à l'homme un continent plein de fureurs et de promesses ; c'est permettre à Adam et à Eve de croquer la pomme en toute connaissance de cause. Et le film doit donc beaucoup à la superbe interprétation de la miss Knightley (je me répète ? Oui je sais...) qui rend cela tangible. Elle transmet avec une grande finesse et une belle palette de jeu tout l'évolution de Sabina Spielrein, de la folie à la femme épanouie, tout en gardant cette fragilité, ce quelque chose toujours sur la brèche, où l'on sent que les démons sont toujours prêts à ressortir. Et pourtant, que cela aurait pu être une partition casse-gueule !

Au final, une critique bancale pour un film qui n'enthousiasmera sûrement pas les inconditionnels du Cronenberg viscéral, celui de Scanners et de Videodrome. Mais c'est du Cronenberg, sans aucun doute. Plus classique dans la forme, mais toujours aussi intrigué et fasciné par ces sombres remous intérieurs qui tout à la fois nous aliènenent et nous libèrent.

My Jukebox Monthly (janvier 2012)

2012-01-12T09:30:00.004+01:00

(ce dernier en pensée pour Daniel, 1953-2011)

Raiponce

2012-01-11T21:01:00.001+01:00

Une fois n'est pas coutume, ce n'est pas par le jukebox du mois que je commence le mois, et l'année (et sur ce bonne année à tous), mais par une chronique. Et honnêtement, qui pourrait résister aux grands yeux verts de Raiponce ?

Ce que Disney sait (souvent) faire de mieux, ou au moins de bien, ce sont les histoires de princesse. Et nous ici sommes sans aucun doute dans une véritable histoire de princesse : preux chevalier, dangers, vilaine sorcière, royaume idyllique. Tout y est. Ca craint ? Qui a dit "ça craint" ?

Car, non, Raiponce, bien qu'enfermée 18 ans durant dans sa tour, est loin de sentir le renfermé. Animation au top, personnages bien écrits, travail de mise en scène (la séquence de la taverne est de haute volée), humour, merveilleux (la beauté de la séquence des lanternes), tout y est, et d'autant plus qu'ici, on essaie pas de se la jouer post-moderne, vannant crânement le glorieux passé. Non, on l'assume même (Raiponce s'inscrit sans mal dans la lignée des Blanche-Neige, Cendrillon, Aurore et consœurs...), tout faisant un film bien dans son époque, à l'héroïne pas si naïve, très féminine, et au prince charmant plus humain que parfaitement charmant.

Alors les fines bouches pourront toujours dire qu'on est bien loin du conte originel, et c'est plutôt vrai. Mais quand j'arrive, devant un Disney, à rire, à poser ma larmes sur une scène (les lanternes, encore une fois), à m'enthousiasmer pour les trouvailles de mise en scène (si j'osais, je dirais que la mise en lumière du secret des origines de Raiponce flirterait presque avec la psychanalyse) et, surtout, à apprécier réellement les chansons, je me dis que Disney a sacrément bien réussi son coup, en replongeant dans les bonnes vieilles recettes maison plutôt que de lorgner vers les cousins de chez Pixar ou vers d'autres shrekeries. Et cerise sur le gâteau, la VF est tout bonnement impeccable.

Finalement, alors que Pixar semble connaître avec Cars 2 son premier échec qualitatif (ce deuxième volet, toujours pas vu , sent vraiment la pompe à fric), c'est plutôt agréable de voir que Disney est encore capable d'offrir du grand cinéma d'animation qui n'est pas qu'un simple support à produits dérivés.

Fringe, saison 2

2011-12-16T18:44:00.000+01:00

Dire que Fringe a failli perdre tout intérêt dès sa deuxième saison n'est pas peu dire. Il faut dire que, durant 14 épisodes, il ne se passe pas grand chose. Sachant qu'en plus, l'épisode 11 (Unhearted) est un épisode de la saison 1 non diffusé à l'époque, qui tombe comme un cheveu sur la soupe, sans cohérence aucune, et, sans trop spoiler, qu'un des personnages réapparait malgré sa mort au début de la saison.

Quatorze, allez disons onze en ne comptant pas le premier épisode (A New Day in the Old Town), le quatrième (Momentum Deferred) et le dixième (Grey Matters), sans réel avancement quant à l'intrigue (le Dessein, les métamorphes, William Bell...), ça fait long, surtout pour une série façon Fringe, même si certains de ses loners sont bien foutus (August, s2 ép. 08, en posant le cas de conscience d'un Observateur, sort du lot, ainsi que l'étonnant Johari Window, s2 ép.12). Et cela nous rappelle malheureusement la quatrième saison d'Alias, de la même équipe et souffrant exactement du même défaut : une première moitié de saison soporifique avec des missions sans beaucoup d'intérêt dans l'intrigue.

Mais heureusement, tout comme la pénultième saison des aventures de la jolie Miss Bristow (qui se clôt dans une apothéose zombi-esque), elle termine en trombe. Du quinzième jusqu'au dernier épisode (l'un des meilleurs étant l'excellent White Tulip, s02 ép.18, belle et solide histoire de temps et d'amour), plus rien ne nous fera lâcher le téléviseur, tant soudainement l'arc final déploie tout son potentiel SF jusqu'à un final moderno-steampunk grisant.

Néamoins, malgré les deux premiers tiers gachés de cette seconde saison, la série garde toutes ses qualités : un cadre SF prenant et plein de possibilités, des SF superbes et des maquillages toujours aussi réalistes, des acteurs au poil (et des supers cameo avec Diane Kruger et un super Scott Glenn) et des personnages toujours aussi attachants. Ainsi, la relation entre Walter et Peter est véritablement le moteur de la série, jusqu'à un point qui redéfinit même l'ensemble des évènements vus jusqu'alors.

Vu le final, et malgré la semi-déception qu'est cette seconde saison, il va sans dire que l'on attend beaucoup de la troisième, qui confirmera, ou non, que Fringe est la digne héritière d'une tradition SF télévisuelle, qui va de Twilight Zone à Lost, en passant par Kolchack, X-Files et même Sliders ou Quantum Leap.

Fatal

2011-12-15T09:30:00.000+01:00

Je n'attendais pas grand chose de la mise en image du concept Fatal Bazooka qui, décliné précédemment en disque, avait pourtant réussi à me faire rire, tout en proposant un vrai album de hip-hop, parodique dans les textes mais pas dans l'esprit. J'ai même le souvenir que certains journalistes musicaux avaient considéré cet album en 2007 comme l'un des meilleurs albums hip-hop de l'année.

Et ce film est au final plutôt une bonne surprise. L'outrance caractéristique de l'humour de Youn est là et fonctionne à plein régime, au service d'une parodie du bling-bling et d'une industrie musicale rance, sans pour autant cracher totalement dans la soupe (il n'oublie pas qu'il en profite aussi). Un peu dans la lignée d'un Zoolander, Mickaël Youn mène son film plutôt bien, sans baisse de rythme et joue le jeu à fond de bout en bout, fidèle à sa ligne de conduite depuis l'époque du Morning Live.

Vu la faible qualité des films auquel Youn a participé jusque là, il démontre, dans son cas en tout cas, qu'on est jamais aussi bien servi que par soi-même et qu'il avait ici la matière qu'il fallait pour faire une comédie à son image. Alors oui, les réfractaires ne seront évidement pas de mon avis, mais je suis si rarement amusé par une comédie française qu'il me semblait bon de signaler qu'au moins une, sortie il y a moins de cinq ans à l'heure où j'écris ces lignes, m'a fait bien rire.

Cars

2011-12-14T09:30:00.000+01:00

Pixar a du savoir-faire, il va sans dire. Ne serait-ce qu'avec la séquence d'ouverture, cette fantastique séquence de course qui en quelques minutes nous dépeint le personnage principal, Flash McQueen, tout en nous offrant des plans et des scènes époustouflantes (quel carambolage).

Mais thématiquement, Cars est pour moi (et sans avoir vu le deuxième volet, qui semblerait digne des DirectToDVD de Disney) le plus faible des Pixar. Mettez ça peut-être sur mon manque d'attrait pour la mécanique et les carrosseries rutilantes, mais nous sommes ici pour moi à l'opposé total d'un Monstres & Cie, d'un Indestructibles et d'un Wall-E. Ode à l'éternelle american way of life, celle du gallon d'essence pas cher, des mécaniques qui font du 30 litres au 100, celle de l'asphalte conquérant, où est donc l'émotion, l'humour, la finesse, la classe, bref ce qui fait l'exception Pixar ? Surement coincés au fond du filtre à particule...

Me vient soudain une hypothèse qui vaut ce qu'elle vaut. Et si, en fait, John Lasseter avait initié avec Cars un nouveau style de remake ? Plutôt que de l'avouer franchement, il se fait ainsi là les petits plaisirs coupables, comme celui de faire le remake déguisé de Jours de Tonnerre avec Cars. Et Fast and Furious avec Cars 2 ? Pas sûr d'avoir le cran de vérifier...

Fringe, saison 1

2011-12-13T09:30:00.001+01:00

Quatrième série de la nébuleuse Abrams (il ne faudrait pas non plus oublier ses compères Orci et Kurtzman, dèjà présents sur les 5 saisons d'Alias), Fringe s'annonçait comme le retour de la série de SF/fantastique, ancrée dans une certaine réalité, une actualité, un présent même, mettant en scène des enquêtes étranges dévolues au FBI. Qui a dit "ça me rappelle X-Files" ? Oui, et cela fait partie des influences avouées.

Et c'est aussi ce qui m'en a tenu éloigné, les plus fidèles d'entre vous sachant le quasi-culte que je voue aux aventures de Mulder et Scully. Et alors que la quatrième saison est en cours de diffusion aux USA, c'est une critique d'Alain Carrazé sur la troisième saison dans Mad Movies du mois dernier qui m'a convaincu de m'y mettre.

Et grand bien m'en a pris. Car si X-Files n'est pas loin, la Quatrième Dimension non plus, et cette saison de Fringe offre à cette série sa logique propre, sa mythologie, son état d'esprit. Pas de paranoïa et de grand complot gouvernemental, ici le moteur est plutôt la science, ses dérives, sa marchandisation (symbolisé par l'opaque multinationale Massive Dynamics) et surtout le Dessein, étrange projet et événement que je ne vous dévoilerai bien sur pas.

Plusieurs raisons de s'enthousiasmer de cette première saison, car si Fringe ne révolutionne pas fondamentalement la série fantastique, elle joue le jeu à fond : une intrigue dense mais qui avance, des mystères résolus peu à peu et d'autres entraperçus juste ce qu'il faut pour lancer les saisons suivantes, une réalisation solide, des maquillages gores et des effets spéciaux d'une qualité bluffante, des personnages bien écrits, de l'humour et une interprétation solide. Et un cameo dans le season finale qui ne pouvait que me faire joindre les doigts en V.

Force est de constater qu'il y a du métier et de l'intelligence chez Abrams et sa clique. Mélant habilement épisodes mythologiques et quasi-loners (épisodes dont l'intrigue n'a aucune conséquence sur l'arc narratif de la saison ou de la série) comme à la grande époque (et rappelant aussi la bonne recette d'Alias), il y avait en tout cas longtemps qu'une série ne m'avait pas hameçonné le ciboulot de cette manière. Confirmation, peut-être, pour la saison 2 ?

Bliss

2011-12-12T09:30:00.001+01:00

Ma femme vous le dirait. Je ne peux pas être objectif avec Drew Barrymore ; il existe comme un lien entre moi et elle, depuis E.T., et je fonds dès que je vois son sourire. Ca tombe bien, allez-vous me dire, ici c'est elle qui réalise et elle ne s'offre qu'un second rôle (plutôt à son image d'ailleurs). Et c'est vrai, mais Drew reste Drew, et la vraie question est : puis-je continuer à être aussi peu objectif alors qu'elle est derrière la caméra ?

Deux possibilités : soit c'est un mauvais film et je suis définitivement perdu en ce qui concerne un jugement sensé concernant Mlle Barrymore, soit elle a effectivement réussi sa première réalisation (et ce n'est pas que mon amour qui parle mais aussi mon sens critique). Si à la fin je vous laisserai seuls juges, je vais opter, par souci d'équilibre mental personnel (y compris pour le bien-être de mon couple et de ma famille), pour la deuxième possibilité.

Habile et subtil mélange de chronique adolescente, d'une photographie d'une certaine middle-class US, du film de sport (les losers se découvrant winners, grand classique usé jusqu'à la moelle du cinéma US), Bliss adopte surtout un vrai point de vue, celui de son personnage Bliss Cavendar (merveilleuse Ellen Page), et ne le quitte pas d'une semelle. Se jouant des clichés, Drew Barrymore propose juste le portrait d'une jeune fille qui s'affirme, sans envoyer tout péter, en nous convainquant ainsi qu'on peut faire du touchant, du juste, de l'émotion sans faire du tragique ou du pathos, ou de grands dialogues lénifiants.

Casting au poil (sacré bande de nénettes, de Juliette Lewis à Zoe Bell), humour, mise en scène solide, simple, pudique (la relation entre Bliss et son boyfriend) bref impeccable, BO pleine de bon goût, cette première réalisation sonne juste et sincère de bout en bout.

Comment voulez-vous que je devienne objectif avec Drew Barrymore si en plus elle se met à réaliser des films de cette trempe, hein ? Sur ce, je vous laisse ; j'ai une soudaine envie de revoir Charlie's Angels, moi...

Mission : Noël - Les Aventures de la Famille Noël

2011-12-11T09:30:00.000+01:00

En dehors de Wallace et Gromit, y'a-t-il un salut pour les studios Aardman ? Si Chicken Run avait plutôt réussit son coup en gardant la marque de fabrique du studio (l'animation en pâte à modeler, image par image, qui a fait aussi ses preuves sur l'excellent Shaun le Mouton), j'avoue que j'étais plus sceptique sur leur capacité à imprimer leur patte sur de l'animation plus classique.

Sans égaler les sommets d'humour d'un Mystère du Lapin-Garou, force est de constater qu'avec un sujet aussi éculé que Noël (et sans pâte à modeler) les Studios Aardman ont un truc. Autour d'une histoire de succession familiale pas mal fichue, le film nous emmène dans 1h30 rythmée (la séquence d'ouverture est à ce titre inventive et pêchue), drôle (le papy Père Noël vaut des points), efficace. Et si coté animation Pixar tient toujours la dragée haute, Aardman ne démérite et nous ferait presque replonger dans la magie de Noël sur quelques plans.

Pari réussi donc qu'était celui de faire un produit calibré pour la saison. A l'inverse de productions concurrentes qui misent plutôt sur la parodie, le détournement, Aardman nous offre un vrai film de Noël, s'appropriant les images d'Epinal pour offrir un peu de fraîcheur et de légèreté au genre Noël, étouffé par la naphtaline et les recettes éculées. Les studios Aardman en ont encore sous la pédale, et ça, ça fait plaisir.

Shame

2011-12-10T09:30:00.001+01:00

Ce film n'a pas grand chose à voir avec l'addiction sexuelle, bien que ce thème soit sans nul doute très accrocheur en terme marketing (s'il on en juge à la pléthore d'émissions ma vie est tellement vraie fleurissant sur la TNT). Mais le sexe n'est ici qu'un révélateur. Le sexe est devenu un objet de consommation comme un autre, accessible partout, tout le temps. Et comme le reste, avec on remplit du vide.

Et Brandon est vide. Vide d'amour, vide de désirs, vide de joie, vide de sens, vase percé que la pulsion assouvie emplit aussi vite qu'elle ne le vide. Et il y tient à son vide, malgré sa sœur, malgré une collègue, malgré l'ennui, quitte à se voiler la face et à s'y enfermer.

Shame n'est pas un film contre le sexe, contre la pornographie, ou même puritain comme j'ai pu le lire. C'est une photographie de notre société actuelle, vampirisante et abrutissante. Steve McQueen ne juge d'ailleurs pas son personnage, il le suit, montre même de l'empathie pour lui : voici l'insoutenable vide de l'hyper-consommateur.

Superbe film, superbe mise en scène (qui réussit à rendre les scènes de sexe ni écœurantes ni excitantes, tout en étant absolument indispensables à la compréhension de la psyché du personnage principal), un Michael Fassbinder juste et poignant (et qui devient par là même l'icône mâle de l'année 2011, ex aequo avec Ryan Gosling), une touchante et solide Carey Mulligan (après Drive, décidément, belle année pour elle aussi). Un grand, grand film.

The Runaways

2011-12-09T09:30:00.002+01:00

Le biopic est un genre casse-gueule, et rares sont ceux qui en sortent avec les honneurs (Ali, de Michael Mann, fait partie des rares exceptions). Et les biopics rock ne dérogent pas à la règle, souvent plus enclins à passer à la moulinette de l'icônisation leur sujet plutôt que de raconter une histoire (The Doors, d'Oliver Stone, en est l'un des exemples les plus criards).

Et là où Floria Sigismondi (grosse carrière de clipeuse) remporte dans l'ensemble l'adhésion de mon humble personne, c'est que l'hagiographie ne l'intéresse pas. Car ce qu'elle raconte (et plutôt bien), c'est justement la création et la vie façon étoile filante de ce produit sex, drugs & rock'n roll façonné quasi entièrement par ce grand malade (au sens du marketing quasi prophétique) qu'était Kim Fowley.

Si l'on pourra lui reprocher (un peu) de surtout s'attacher à la frontman Cherry Currie, un peu moins à Joan Jett, et de mettre de coté les trois autres (pas un mot à la fin sur la gratteuse soliste Lita Ford, loin d'être malhabile avec sa 6 cordes, et sur la tapeuse de fûts Sandy West), le film arrive tout de même à retranscrire ce parfum de souffre (elles étaient tout de même mineures !) et cette énergie adolescente et destroy qu'a libéré Kim Fowley.

A ce titre le casting est impeccable (les miss Fanning et Stewart sont amplement crédibles), avec une mention spéciale à Michael Shannon, jouant avec justesse un Kim Fowley outrancier, et les séquences musicales très réalistes (c'est quand même mieux quand on a l'impression que les acteurs savent jouer).

Bien que ne retranscrivant surement qu'une petite partie sur l'aspect trash de la vie du groupe (mais peut-être aussi cela n'était pas nécessaire), Floria Sigismondi nous offre un film honnête, collé à son sujet, mais aussi la photographie d'une époque charnière, où le marketing allait bientôt supplanter le contenu du disque...

My jukebox monthly (décembre 2011)

2011-12-08T09:55:00.002+01:00

Moon

2011-11-12T22:52:00.004+01:00

Si les premières séquences de Moon pouvaient éveiller quelques craintes quant à d'éventuelles influences envahissantes (2001 et le Solaris de Soderbergh), Duncan Jones (je vous laisserai le plaisir d'aller par vous-même voir qui est ce "fils de" qui failli s'appeler Zowie) s'arrache de la tutelle de ses glorieux ainés pour faire un film personnel.

Car là est sans doute la principale qualité de Moon : de ne pas sans cesse faire allégeance. Oui, on y verra, à travers les décors, les premières hallucinations et le robot parlant, ces fameuses influences, mais cela s'arrêtera là. On y parle surtout d'ennui, de solitude et de quantités négligeables.

L'autre réussite est, pour son budget (5 millions de dollars), la qualité des effets spéciaux. d'un réalisme étonnant, ils sont tout simplement irréprochables.

Mais cela ne veut pas dire non plus que le film soit une franche réussite. Pas raté non plus (la réalisation est impeccable, sans effet de style), Duncan Jones peine cependant, en nous baladant d'une chronique de l'ennui au drame (surement les meilleurs moments du film) en passant par le thriller paranoïaque, à trouver la véritable tonalité du film et à nous emballer complétement. Il offre cependant à Sam Rockwell l'un des rôles de sa vie, présent non stop durant l'heure et demi du film et à l'aise dans tous ces tableaux.

Et je ne serai pas loin de penser que ce sont principalement les décors lunaires et la prestation de Sam Rockwell qui tirent amplement Moon vers le haut. Mais pour un premier film, au point de départ plutôt casse-gueule, Duncan Jones s'en tire tout de même avec une mention assez bien. Pas sûr que son suivant, Source Code, qui sent fort la grosse machine de studio, soit aussi investi : à vérifier donc.

Duplicity

2011-11-11T20:09:00.004+01:00

Habitué des films d'espions (c'est lui qui signe les trois scénars de la trilogie Jason Bourne) du coté gouvernemental, Tony Gilroy nous offre ici la facette industrielle, bagarre moins explosive mais toute aussi tordue entre deux entreprises de cosmétiques (excellent générique au demeurant, où les deux patrons se foutent joyeusement et malhabilement sur la tronche sous le regard médusé de leurs troupes respectives).

Au milieu de cette guerre industrielle, Gilroy fait jouer un joyeux jeu de poker menteur à l'impeccable duo Clive Owen (grande classe) et Julia Roberts (pas fan, mais elle a quand même un truc), jouant habilement avec un Mac Guffin pas piqué des hannetons, et dévoilant ses cartes lentement mais surement, avec pas mal d'humour et un sens du rythme indéniable, un art certain de la révélation et du rebondissement, jusqu'à un dénouement savoureux.

Et malgré quelques scories de réalisation un peu tape-à-l'oeil (les séquences en split screen, qui n'apportent rien de plus au point de vue du réalisateur), Duplicity est un film prenant, délivrant un joyeuse parano communicative, nous manipulant du début à la fin sans nous prendre pour des buses. On en demande pas plus.

Invasion U.S.A.

2011-11-07T20:01:00.004+01:00

On pourrait aborder Invasion U.S.A. de manière quasi universitaire, comme un document du retour de la guerre froide suite à l’élection de Reagan à la Maison Blanche. Une vision bas du front, un manifeste quasi politique, populiste comme pas deux, n'hésitant pas à mettre dos à dos l'incurie des fédéraux et la cruauté des russkofs, pour privilégier cette bonne vieille indépendance chère aux copains du Chouque. Et si l'on essaye de parler, en plus, sérieusement cinéma, c'est à s'arracher les cheveux.

Mais il est difficile (c'est même déconseillé, au risque d'y perdre la raison) de garder son sérieux devant un tel spectacle, peut-être la quintessence de ce qui fait le sel de tout chouquonnerie. Monument portnawak à la gloire du Chouque (encore moins expressif qu'un T-800), vengeur solitaire indestructible (ni la chemise, ni le brushing ne subiront d'outrage), taiseux (50 lignes de dialogues tout au plus, mais les traducteurs de l'époque ont du bien se marrer, ne serait qu'avec cette pub pour les fameuses boites en plastique) et omniscient (il débarque, tel l'ami Ricoré, toujours au bon endroit, au bon moment, sans qu'on sache vraiment comment), et tout aussi portnawak quand il s'agit de faire la fête aux tontons cocos : du débarquement improbable aux cibles des attentats (tous plutôt tournés vers les suburbs, avec particulièrement l'hénaurme attaque contre les pavillons de banlieue préparant Noël), jusqu'au gimmicks gros sabots "attention v'là les rouges" (lunettes pour les faux flics/militaires, et un enfant, toujours, quand un attentat se dessine).

Un vrai nanar chouquesque en diable, pas avare en chouquonnerie, ni en grosses ficelles, ni en ellipses improbables, ni en séquences elles-même improbables (l'attaque finale, et la séquence finale au bazooka). Et comme tout cela a été fait au premier degré, c'est d'autant plus savoureux. Voilà du Chouque, du vrai.

Emilie Jolie

2011-11-06T11:11:00.001+01:00

Ca aurait pu être pas mal, vraiment. Surtout que le conte musical original reste tout de même une référence en la matière.

On pourrait d'abord se poser la question suivante : pourquoi partir sur un scénario différent du matériau original ? Mais autant pisser dans un violon, le mal est fait.

Car tout y est mince, voire raté : le point de départ de l'histoire, les rebondissements, les chansons même ne sont qu'un prétexte pour rattacher vaguement ce film au conte musical.Et, last but not des moindres, l'animation est rarement réussi (la sorcière et les paysages qui l'entourent surnagent), et les personnages humains sont tout particulièrement laids. Allez, histoire de ne pas trop charger la mule, disons que les voix des personnages ont été plutôt bien choisies. Mais rien ne sauve Emilie Jolie du naufrage.

Tentative donc loupée pour Philippe Chatel. Mes drôles (2ans et demi et 4 ans et demi), fanas du disque, ont certes passé un bon moment. Mais je tiens le pari qu'elles oublieront volontiers, d'ici une vingtaine d'année, ce dessin-animé même pas digne des programmes jeunesses à la télé, mais replongeront avec la douceur de la nostalgie dans le conte musical, absolument indémodable.

My jukebox monthly (novembre 2011)

2011-11-05T15:51:00.003+01:00

Human Nature

2011-10-18T11:43:00.000+02:00

Premier long-métrage de Michel Gondry, fantastique Géo Trouve-Tout qui égaya mes années MTV avec ses clips pour Björk, Radiohead, Iam, The Chemical Brothers, Daft Punk, etc...

Pour beaucoup de cinéastes de ces 30 dernières années (Besson, Fincher, Jonze...), le court ou le promotionnel a été la porte d'entrée vers le long, et pour certains d'entre eux, cela a souvent été la possibilité de confirmer un style et des thématiques, bien plus que de diluer cela sous la pression du budget.

Et Gondry, ici, ne fait pas exception (et cela se confirme sur ses films suivants, bien que je ne m'avancerais pas pour The Green Hornet, que je n'ai pas vu). Le succés d'un Being John Malkovich (Spike Jonze lui laisse la place à la réalisation et s'offre le fauteuil de producteur, et Charlie Kaufman demeure au scénario) lui ouvre ainsi les portes du cinéma et l'on sent que Gondry s'est senti comme dans ses pantoufles avec ce scénario. Scénario qui lui permet de déployer sa fantaisie visuelle, qui me fait parfois penser aux tableaux dits naïfs d'Henri Rousseau, et aussi de s'autociter sur certains plans (qui rappellent furieusement le clip de Human Behaviour), en particulier ceux concernant Patricia Arquette s'isolant dans les bois.

Si les acteurs sont au poil (sans mauvais jeu de mot, quoique...) et que la patte Gondry est là, on sent tout de même une petite difficulté à maintenir un rythme et à sortir de ses propres codes (défaut qui s'effacera dès le superbe Eternal Sunshine of The Spotless Mind). De plus la structure même du film plombe un peu le rythme, en particulier les témoignages des trois protagonistes. Mais finalement, de par sa fin ( du genre "vous croyiez vraiment que j'allais vous sortir une fin fleur bleue ?") et aussi la performance de Rhys Ifans (acteur trop souvent sous-employé), Gondry nous rappelle que son film est un peu plus que l'enrobage qu'il lui a donné.

Car si ce film sait être une comédie, il sait surtout nous montrer que l'homme blanc a fait, sous couvert de bonnes manières civilisatrices et émancipatrices d'une certaine idée du sauvage, une civilisation avide, condescendante, normalisatrice, frustrée et frustrante. Une civilisation de gros cons, qui rend con.

True Blood, saison 4

2011-10-17T11:43:00.000+02:00

Rares sont désormais, dans les médias, les critiques plutôt positives de True Blood, à l'exception de son générique (qui restera surement comme l'un ds grands génériques de série de l'histoire de la télévision). Qu'est-il donc reproché à True Blood et à Alan Ball, son créateur, depuis la deuxième saison ? Pour résumer, le principal reproche est en filigrane mais c'est celui-là : ne pas avoir fait un Six Feet Under avec des vampires. Donc de ne pas avoir refait un chef d'oeuvre.

Alors, oui, il faut accrocher à l'univers fantastique (garous, fées, vampires, fantômes, sorcières) et, de fait, à sa logique. Mais n'est-ce pas le cas d'un bon paquet de séries ? Loin d'être foutraque, il faut plutôt louer le travail d'Alan Ball d'avoir justement, depuis 4 saisons, réussi à conserver une cohérence tout en multipliant les créatures, les communautés, en faisant intervenir de nouveaux personnages (parfois pour une saison, parfois pour un peu plus) sans oublier les historiques, qui s'étoffent, nous surprennent parfois (Jason Stackhouse en est le plus bel exemple, et Sam Merlotte devient enfin plus attachant) et nous déçoivent que peu, ou pas.

Surtout, jamais la série n'édulcore son propos. Car ici, tout n'est souvent que pouvoir, intrigues, vengeances, rancunes, trahisons, déceptions. Mais aussi repli sur soi (les rares dialogues entre communautés ne sont souvent que discours de façade, politiquement corrects ; restent les tensions et la volonté d'écraser l'autre, ou la survie dans l'entre-soi incestueux), et parfois un peu d'amour (LaFayette et son beau brujo), de beauté, de valeurs.

La série reste fidèle également à son organisation (on entre vite dans le vif de l'intrigue, et le dernier épisode en guise d'épilogue nous annonce la saison à venir) qui fait sa qualité, et le message politique reste présent, en filigrane. Enfin, elle parvient à nous surprendre encore, et à jouer avec nos nerfs, ce qui n'est pas si mal après quatre saisons aussi denses. Alors, peut-être que True Blood n'est pas un monument de la télévision. Et alors ? C'est un grand show, qui respecte son matériau fantastique initial, et qui surtout prend son spectateur pour ce qu'il est : intelligent et avide de frissons.

Drive

2011-10-10T10:02:00.003+02:00

Classieux, grisant, violent, Drive tient toutes les promesses annoncées à Cannes, de par la palme d'or de la mise en scène qu'il a reçu. Avec un scénario classique que d'autres auraient mis en image avec force caméra clipesque mode vibro, gros biscotos et cylindrées bien burnées façon Fast & Furious, et qui auraient fait de Drive un machin ringard et poussif, voilà que Refn nous rend tout cela, grâce à une camera sobre et patiente, des images urbaines de nuit rappelant celles superbes du Miami Vice de Michael Mann, terriblement immersif, sexy, humain, et dont les 10 premières minutes sont un monument de mise en scène.

L'intérêt n'est pas ici la carrosserie, mais le Cascadeur, son monde, son mystère, et les séquences de voiture, qui ailleurs, sous forme d'extension phallique, nous soûleraient vite, sont ici autant d'éléments de narration, et nous disent au moins autant (avec la BO de Cliff Martinez, superbe) si ce n'est plus sur le Cascadeur que les quelques lignes de dialogues. Fidèle à ses héros taiseux, Refn transforme d'ailleurs Gosling en icône, et Gosling nous joue une partition énorme, entouré par un casting solide et impeccable : Ron Perlman, Bryan Cranston (un jour, peut-être, un grand et premier rôle au cinéma ?), Oscar Isaac (l'infect Blue Jones dans Sucker Punch) et Carey Mulligan.

Et au delà du film noir, je me pose une question : Nicolas Winding Refn n'aurait-il pas fait aussi, un peu, un film de super-héros ? Par l'anonymat de son héros (c'est le Cascadeur, pas de prénom), sa double vie (une diurne, passe-partout, une nocturne, dangereuse et mystérieuse), son éthique irréductible (peu importe le fric, seuls comptent la veuve et l'orphelin) et surtout son costume (la fameuse veste blanche au scorpion), je ne suis pas loin de le penser. Drive est en tout cas l'un des films de l'année et entre directement, pour moi, dans mes films fétiches.

Sons of Anarchy, saison 3

2011-10-08T14:14:00.001+02:00

Alors que la diffusion de la quatrième saison vient de débuter outre-atlantique, il me semblait bien avoir complétement zappé d'évoquer ici la troisième saison de Sons of Anarchy. Oubli que je m'en vais de ce pas effacer.

Après le final tragique de la seconde saison, l'intrigue nous menait directement vers l'Irlande, tandis que l'ATF, toujours sous la houlette de l'Agent Stahl (Ally Walker, impeccable perverse), resserrait l'étau autour du MC après la fuite de Gemma.

Sans vouloir dévoiler l'intrigue à ceux qui découvriraient la série, cette troisième saison est loin de décevoir : révélations, trahisons, retournements, dénouements. La série est menée tambour battant, sans jamais édulcorer son propos (quel final !), et les membres du SAMCRO, aussi durs, violents qu'ils soient, restent attachants, se révèlent même pour certains d'une humanité troublante. Et malgré des valeurs plutôt archaïques, plus proches du western que de la diplomatie onusienne, ce SAMCRO est définitivement addictif.

Western moderne aux accents de polar et de tragédie shakespearienne, au casting encore et toujours impeccable, cette troisième saison confirme Sons of Anarchy dans le club des séries absolument immanquables. En VO, bien évidement.

Star Trek VI - Terre Inconnue

2011-10-07T06:45:00.000+02:00

Dernier film de la saga avec l'ensemble de l'équipe originale, il sera aussi le dernier film que le créateur de Star Trek, Gene Rodenberry, verra de son vivant.

En tout point, ce sixième volet marque la fin d'une époque. Tout d'abord, il ne fait que peu de mystère quant au fait que plus jamais on ne verra Spock, McCoy, Kirk et les autres réunis sur grand écran, sous les traits de leurs interprètes originaux. Ensuite, l'intrigue est clairement orientée vers cet état de fait : la paix entre Klingons et Fédération est un tournant et ce tournant n'est pas du goût d'une vieille garde qui s'était bien arrangé de cet état de guerre larvée. Enfin, tout cela ne vous rappe-t-il pas quelque chose ? Nous sommes en 1991, à la sortie de ce sixième volet : chute du mur, fin du bloc soviétique et du grand ennemi à haïr, tournant de l'Histoire. Car tout cela est en toile de fond, et a toujours marqué la mouture originale de Star Trek, plus ou moins.

Star Trek VI - Terre Inconnue clôt avec un certain talent (encore Nicholas Meyer au scénario et derrière la caméra) ce premier âge de Star Trek sur grand écran. Il y insuffle à la fois une noirceur et une violence (l'attentat sur le vaisseau klingon) rarement vus dans un Star Trek jusqu'à maintenant, tout en créant cette petite lumière d'espoir au bout du tunnel. Loin de faire des klingons des guerriers uniquement mus par la soif de combattre, il donne même une vision de la Fédération plus proche du panier de crabe belliciste que d'un club de centristes pacifistes. Le film est proche d'un bon polar, rythmé, tendu, visuellement réussi (ça sent l'avénement des CGI, mais ça reste propre et pas ridicule) mais garde l'humour et les liens entre les personnages. Et surtout, il ne rate pas, dans la chronologie Star Trek, l'arrivée des Accords de Khitomer, évenement majeur dans l'univers Star Trek dont les conséquences sont régulièrement exploitées dans les séries The Next Generation, Deep Space 9 et Voyager.

Coté casting et surtout pour l'anecdote, la superbe Mme Bowie, Iman, nous rappelle à son bon souvenir et les fans comme moi auront la chance d'apercevoir le grand-père de Worf en avocat de la défense, incarné par Michael Dorn, c'est à dire Worf dans The Next Generation et Deep Space 9. Enfin, saluons la fugace apparition de Christian Slater en homme d'équipage.

Star Trek VI - Terre Inconnue clôt donc avec sérieux 25 ans de Star Trek première version, et je me dis que ces 6 premiers films, parfois raillés ou moqués, m'ont démontré que Kirk, Spock, McCoy et les autres n'avaient pas été si ridicules que ça au cinéma (et je n'avais pas de bons a priori sur les films Star Trek). Sous l'impulsion en particulier de Nicholas Meyer ou de Leonard Nimoy (aussi à l'origine de l'histoire de ce film-ci), Star Trek a gagné honorablement (ne serait-ce que par les fameux films pairs) sa place dans les sagas de science-fiction sur grand écran. Cet équipe de l'Entreprise a eu de la chance, car pas sûr que l'équipe suivante (Picard, Data, Riker et consorts...) soit aussi vernie...

My jukebox monthly (octobre 2011)

2011-10-04T10:50:00.000+02:00

Misfits, saison 2

2011-09-30T15:11:00.001+02:00

Après une première saison efficace et addictive, on pouvait quand même bien se demander si la suite serait une redite (le petit manque de perspective au niveau de l'intrigue) ou arriverait à maintenir le niveau (bons mots de l'inénarrable Nathan, la "malédiction" du superviseur des TIG, rythme soutenu, personnages attachants) en gommant les petites scories de la première, dont le très relatif intérêt d'un personnage comme Alisha, véritable viagra sur (très jolies) jambes et dont les faibles perspectives dues à son pouvoir semblaient bloquer le personnage dans son évolution.

Pour faire bref (contrairement à la phrasagraphe précédente),Howard Overman (le créateur et unique scénariste de cette seconde saison) y est bel et bien arrivé. Entre le mystérieux cascadeur en noir (et je ne ferai pas de spoiler), Alisha dont le rôle s'étoffe, Nathan qui n'est pas que (même s'il l'est beaucoup) cette andouille insupportable et des perspectives plutôt sombres, cette deuxième saison démontre les ressources de son créateur-scénariste (vous ne verrez plus les produits laitiers comme des sensations si pures que ça...). Et il est aussi agréable, pour le spectateur que je suis, de voir un concept (ce qu'était un peu la première saison) s'étoffer pour devenir un véritable récit.

Je ferai juste ma fine bouche sur le Christmas Special (grande tradition dans les séries anglo-saxonnes), considéré comme le septième épisode de cette saison. Si le but de l'épisode est de donner les prémices de l'intrigue de la troisième saison (cette automne en outre-manche), et de ce point de vue là ces éléments font saliver, j'ai été un peu plus circonspect par l'autre facette, l'épisode (même si le pitch, un prêtre qui devient Jésus en achetant des pouvoirs, avait du potentiel) souffrant de quelques ellipses si l'on le rattache au sixième : que s'est-il donc passé entre les deux ? Il y a trop de vide pour une série qui nous a vite habitué à ne pas trop laissé planer de mystère. Et j'ai été ainsi bien plus emballé par ceci (VO non sous-titrée, et attention spoilers si vous n'avez pas vu cette deuxième saison).

Avec toujours cette réalisation nerveuse et glacée en adéquation avec le décorum (et il y en aurait à dire sur cette ambiance de béton, impersonnelle et anxiogène, cf. l'énorme épisode - s02 ép04 - où le pouvoir d'un mec est celui de vivre sa vie comme s'il était le personnage d'un jeu façon GTA), des acteurs toujours aussi bons, une BO excellente, vous ne pouvez pas passer à côté. Et surtout, n'essayez même pas de savoir s'il existe une VF, c'est à voir en VO. Et ça ne se discute pas.

Star Trek V - L'Ultime Frontière

2011-09-22T10:41:00.001+02:00

Ai-je vu le même film qu'un paquet de gens qui n'hésite pas à faire de ce cinquième volet le pire (ou presque) de tous (les Razzies l'avaient à l'époque sévèrement récompensé) ?

Si William Shatner, cette fois-ci à la réalisation, n'a pas eu vraiment les coudées franches sur cet opus (importante réduction de budget, entre autre, et une expérience loin de lui avoir laissé d'excellents souvenirs), il est loin de nous avoir troussé le pire de tous.

Son vrai point faible n'est autre que ses effets visuels, largement en dessous des précédents, faute à une enveloppe à la hauteur des ambitions, que ce soit dans l'espace ou dans la malheureuse séquence où Kirk est sensé escaladé une voie plutôt raide du Yosemite National Park. Entre la différence flagrante entre la doublure et Shatner (devinez qui n'a pas de bidoche...) et l'arrivée de Spock plutôt gadget (et la chute qui s'en suit), on peut se demander légitimement si la poursuite du visionnage a un quelconque intérêt. Je passerai aussi sur l'aspect très "cantina de Mos Esley" du rade de Paradise City et la "danse " d'Uhura, qui n'aident pas vraiment le film à être pris au sérieux.

Et à la question précédemment posé (stop ou encore ?), étonnement, la réponse est oui. Grâce à nouveau à un trio Kirk-Spock-McCoy au sommet de sa forme, le film arrive à tenir la route, dans ce film un peu plus métaphysique que les autres. Avec un semi-méchant, Sybok, entre Luther King et Jim Jones, mais aussi beaucoup d'humour et quelques séquences vraiment réussies (l'intro dans le désert, les scènes de camping, McCoy qui revit la mort de son père) et le retour derrière le pupitre de Jerry Goldsmith, difficile ainsi de croire que j'ai pu voir le nanar tant annoncé, qui reprend en plus l'idée de cette barrière galactique du fameux épisode Where No Man Has Gone Before (ST : TOS s1 ép.3).

Et contrairement au résumé qu'on en fait souvent, Kirk ne part pas à la recherche de Dieu, car il est profondément athée. Mais ouvert et surtout d'un curiosité insatiable, il laisse Sybok aller au bout de sa quête, et c'est même le doute de Kirk qui ouvrira les yeux à tous. Alors, plutôt qu' une recherche de Dieu, c'est cette soif insatiable de savoir qu'a l'homme qui est au cœur de cet opus, mais aussi de l'univers Star Trek, en particulier de la série originale.

Alors pour moi, sans valoir les II et IV, cet épisode de la saga est un bon épisode, pas sans défauts, mais avec suffisamment de qualité pour être regardé avec un certain plaisir.

Star Trek IV - Retour sur Terre

2011-09-20T15:09:00.000+02:00

Voilà donc le fameux "Star Trek à la baleine", dont mes souvenirs flous m'avaient éloignés, en me laissant un goût de nanar au fond de la mémoire. Les souvenirs ne sont que de sales traîtres.

Si Wrath of Kahn nous proposait un grand Star Trek côté aventure, risques et combat d'un équipage contre la folie destructrice d'un tyran, voici le film qui nous propose la deuxième facette de ce qu'est Star Trek : l'aventure humaine par l'utopie d'un monde meilleur. De fait, pas de méchants, pas non plus de violence (pas un seul tir d'arme dans ce film). Et un film étonnant au final, par son humour (Spock s'acclimatant au 20ème siècle, ou Chekov demandant tout naturellement où sont entreposés les navires nucléaires de l'US Navy...) jamais ridicule et la force des relations entre les personnages, et tout particulièrement le trio Kirk-Spock-McCoy, épine dorsale du film. Son sujet, étonnamment écolo pas gnan-gnan mais dans la droite ligne du canon établi par Gene Rodenberry, détonne aussi dans le paysage reaganien des blockbusters 80's plus tourné vers Top Gun et Rocky IV (sortis eux aussi en 1986). La réalisation de Nimoy est impeccable, le scénario tout autant (Nicholas Meyer, une seconde fois, qui le dénominateur commun et le pourquoi de la réussite des films pairs de la saga entre le I et le VI).

Et si l'on ne voit qu'à la fin la silhouette de l'Entreprise, peu importe. Le film démontre que Star Trek, c'est aussi autre chose que l'espace, cette ultime frontière, et le résultat ne prend pas une ride. Il en est même plus que jamais actuel, dans notre monde que nous laissons mourir à petit feu. Ainsi se clôture avec classe la trilogie Star Trek II - III - IV, aux (un peu plus que) deux tiers amplement réussis, non seulement dans le cadre strict de l'univers trekkien, mais surtout en terme de cinéma de science-fiction et de cinéma, tout simplement.

Star Trek III - A La Recherche de Spock

2011-09-17T14:35:00.001+02:00

Il est, paraît-il, une malédiction qui pèse sur certains films, ceux au chiffre impair plus exactement, de la saga Star Trek. Il semblerait ainsi que tous les films impairs soient ratés, mauvais, à chier...

Relativisons de suite cette idée presque reçue. Le premier, par exemple, n'est pas mauvais, c'est juste beaucoup plus un film de techniciens (Wise, mais surtout Trumbull - 2001, ça parle à quelqu'un ? - et Dykstra - fondateur d'ILM et grand artisan du succés visuel de Star Wars -) qui ont oublié qu'un scénario c'était bien et que Star Trek ce n'était pas juste un vaisseau dans l'espace.

Et ce troisième alors ? Pour son premier passage derrière la caméra, Leonard Nimoy (éternellement Spock, quasiment absent de ce film, il ne souhaitait d'ailleurs pas rempiler, un peu fatigué par le costume du vulcain) hérite d'un concept alléchant (Spock, mort, revient à la vie sous l'influence de l'évolution de la planète Genesis. Ses funérailles hors de Vulcain provoque parallèlement l'arrivée de Sarek, son père, qui reclame la restitution du corps sur Vulcain pour finalisés les funérailles façon vulcaines) avec enfin l'apparition des klingons en méchants.

Mais malgré tout cela, on s'ennuie copieusement, la confrontation avec les klingons ne tenant pas vraiment ses promesses (et Christopher Lloyd, le fameux Doc de Retour vers le Futur, ne fait pas un excellent super-vilain klingon). D'ailleurs on a même du mal à voir l'intérêt de la présence de ceux-ci et leur motivation, serait-ce plutôt les réminiscences de la guerre froide, au beau milieu de ces 80's, qui les fait être dans ce film ? On a ainsi l'impression de voir un téléfilm, voire un épisode de la série avec un chouïa plus de moyens, étiré sur 1h30. Bref, un scénario qui manque un peu d'ambition, dans ce qui se voulait une trilogie interne (les films 2, 3 et 4 se suivent). La faiblesse de son deuxième volet fait ainsi retomber le soufflet, et l'on redoute de fait la suite.

Mais je ne parlerai pas de navet ou de ratage complet. Visuellement, ça reste largement regardable et le film est techniquement loin d'être risible. Deux ou trois bonnes idées également, celle de la fusion de l'esprit de Spock avec celui de McCoy, personnages antagonistes au possible et celle de faire de l'équipage de l'Entreprise des renégats de la Fédération. Enfin, les 20 dernières minutes rattrapent la mollesse du reste du film avec les retrouvailles entre un Spock sans esprit et l'équipage, en particulier Kirk. Le cérémonial vulcain, la réapparition de Spock, retrouvant peu à peu son esprit, et la perspective d'un retour sur Terre en Oiseau de Proie klingon, amènent de belles émotions et du souffle à ce film qui en manque cruellement.

Pas le meilleur de tous c'est sûr, surtout quand on vient juste derrière un très grand Star Trek II, mais loin d'être l'un de ces ratages au chiffre impair. Comme le premier volet, mais pour d'autres raisons, un bon scénario manque juste à l'appel.

Retour sur... The X-Files (2ème partie 1995-1998)

2011-09-04T21:01:00.003+02:00

Quand la saison 3 s'ouvrit sur ce double épisode (The Blessing Way/Paper Clip s3 éps 01-02), cloturant l'énorme cliffhanger de la deuxième saison, il fallait être aveugle, sourd et ermite pour ne pas voir et comprendre qu'X-Files venait de passer la vitesse supérieure. La conspiration devenait familiale et dépassait le simple cercle des pontes de l'administration US ; elle devenait aussi historique (rappelant ainsi que les alliés ne se sont pas gênés pour récupérer des savants de l'Axe), s'ancrant profondément dans cette alter-histoire des USA. Il suffit de voir (ou de revoir, c'est épisode inusable) Musing of a Cigarette Smoking Man (s4 ép7) pour s'en convaincre.

Car c'était surtout cela qui pointait son nez. X-Files allait nous romancer une certaine histoire de la bannière étoilée, par le prisme de la famille Mulder et du regard d'un témoin et acteur incrédule : Scully. Une uchronie, une histoire sombre, secrète, puante, mais qui avait fait et défait des vies au service d'un grand projet, dont les contours était encore, à ce moment là, plutôt flous. Et c'est ainsi qu'à travers les épisodes mythologiques (Nisei/731 s3 éps 9-10, Piper Maru/Apocrypha s3 éps 15-16), ces contours et les enjeux se dessinent (l'énorme Tungunska/Terma, s4 éps 8-9), saison après saison, jusqu'à la confirmation d'un invasion programmée (Patient X/The Red and the Black, s5 éps 13-14), avec entre chaque saison le désormais attendu cliffhanger (tous de haute volée, trois saisons confondues). Et bien évidemment, en point de mire, le film, qui clôturera ces trois saisons et mettra sur les rails les deux prochaines.

Et au milieu de tout ça ? Difficile de faire le tri, peu d'ivraie (un Teso Dos Bichos, s3 ép18, fait partie des rares épisodes dispensables de ces trois saisons) et du bon grain à tous les étages, tant ces trois saisons sont en tout point de grandes saisons, de celles qui font les séries qui marquent. Entre la folie douce et l'humour barge des scénario de Darin Morgan (mais qu'est-il devenu ?), que ce soit Clyde Bruckman's Final Repose (un de mes chouchous, fataliste et drolatique, s3 ép 4) ou l'hilarant Jose Chung's From Outer Space (s3 ép 20), le gore anticipant presque les deux premiers longs de Rob Zombie (le génial et violent Home, s4 ép2) ou l'allégeance au bis avec enfin l'épisode sur les vampires digne de la série (Bad Blood, s5 ép12) ou l'énorme War of the Coprophages (s3 ép12), la tendresse d'un magnifique Post-Modern Prometheus (en noir et blanc s'il vous plaît, s5 ép5) ou d'un Small Potatoes (s4 ép20), ou encore le poignant The Field Where I Die (sûrement dans mon top10 si j'en avais un, et je fais ma madeleine à chaque fois, s4 ép. 5), on est là dans du haut de gamme, dans du malin, du drôle, de la distance par rapport au show lui-même.

Et c'est peut-être (en fait, j'en suis sûr) cela, cette distance, qui a fait aussi la longévité et la qualité d'X-Files, avoir cette intelligence d'apporter du rire dans la nuit, dans l'horreur, dans la folie. Sans oublier que les scénaristes et Chris Carter ont apporté grand soin à tous les personnages (rien que l’ambiguïté d'un personnage comme Skinner, ou le parcours de Krycek, ou encore la difficulté d'être l'informateur de Mulder, semblable à celle d'être le batteur de Spinal Tap), y compris les secondaires, offrant même à deux d'entre eux un stand alone, saison 4 pour l'homme à la cigarette (voir premier paragraphe) et l'excellent The Lone Gunmen (s5 ép3) pour le trio infernal et barré des Lone Gunmen (Byers, Frohike et Langly) potes théoriciens du complot de Mulder, et où l'on découvre leur rencontre sous un jour (et un final) plutôt inattendu. Et c'est tout cela qui, à coup sûr, fait que les saisons trois, quatre et cinq méritent amplement qu'on les regroupe dans un commun Premier Age d'Or de la Série. Et on le verra par la suite, ce n'est pas non plus pour rien que le season finale (s5 ép.20) de la cinquième saison se nomme The End...

...à suivre : X-Files (3ème partie 1998-2000)

My Jukebox Monthly (septembre 2011)

2011-09-01T13:30:00.003+02:00

Star Trek II - La Colère de Khan

2011-08-31T18:08:00.004+02:00

A part le récent reboot de JJ Abrams, voilà LE film de la saga que je conseillerais à quiconque me demanderait un film Star Trek à regarder.

Seul film sur les onze existants actuellement à reprendre une situation (James Horner reprend aussi le thème original de la série) et un personnage, Khan, issus de la série (Space Seed, Star Trek, s.1 ép. 23, un des tous meilleurs de cette saison d'ailleurs), il n'est cependant pas utile d'être fin connaisseur pour comprendre les enjeux de la folle colère et de la vengeance destructrice de Khan (impeccable Ricardo Montalban, qui reprend là, et ce n'est pas la moindre qualité du film, le rôle qu'il endossa dans la série plus de 15 ans auparavant).

Rythmé, tendu, visuellement impeccable, on prend aussi plaisir à retrouver enfin (le précédent film avait un laisser tout ça de coté) les relations entre les personnages, et surtout entre Kirk et Spock (les larmes de Kirk...). Et l'on s'amusera aussi du running gag du film sur l'âge des personnages, les petites vacheries entre la nécessité de Kirk d'avoir des lunettes et le coté "un peu vieux pour ces conneries". On regrettera juste une traduction française quelque peu hasardeuse, ne serait-ce que pour le sir (désignant un officier supérieur) traduit en monsieur (même pour ces dames) et l'étonnant "klingonnais" alors que klingon était bien suffisant et adopté depuis bien longtemps. Mais je pinaille un peu, non ?

Enfin, et surtout, voilà un vrai bon film d'action et de SF, une vraie réussite qui subit peu l'outrage des années. Et peut-être, avec le Abrams, LE film Star Trek que les trekkies peuvent brandir à ceux qui les (nous...) charrient avec "celui avec la baleine" (mais ils n'ont pas tort non plus, les films n'étant pas la plus grande réussite de l'univers trekkien).

Star Trek, le film

2011-08-30T18:18:00.002+02:00

Mis en chantier par la Paramount qui préférait relancer la saga au cinéma (le space-opera, sous l'influence du succés de Star Wars, et la SF connaissaient alors un bel âge d'or sur grand écran) plutôt qu'à la télévision (le projet Star Trek Phase II fut ainsi mis au placard, ou presque), le but était alors d'en mettre plein les yeux, de montrer le budget (énorme pour l'époque : 46 millions de $) à l'écran. Quitte à en oublier un peu le matériau de base.

Car ne vous attendez pas aux couleurs pop, aux décors cartons pâtes et aux ciels étranges et psychédéliques. N'essayez pas de chercher les charmes troublants du bikini d'une danseuse exotique et extraterrestre. Les pyjamas sont beiges, blancs, marrons, le sérieux est de mise. Même Kirk n'est plus cet indécrottable mâle charmeur. Ce sera plutôt le futur pasteur père de famille la morale et pénible de Seventh Heaven (Stephen Collins, déjà un peu tête à claques à l'époque) qui emballera la jolie donzelle au crâne rasé. Tout laisse aussi à penser que Robert Wise (dont la filmo force tout de même le respect), en fin de carrière (il ne réalisera plus grand chose après celui-ci), a profité du budget alloué pour se faire son 2001 à lui, car longue et nombreuses sont les séquences contemplatives de l'espace et du vaisseau. Et il faut bien attendre 45 bonnes minutes avant qu'il ne se passe un peu quelque chose.

Mais le Trekkie que je suis ne peut pas totalement bouder son plaisir. Tout d'abord visuellement, il a très bien vieilli et les séquences spatiales sont tout ce que l'on rêve de voir dans un space-opera. La musique de Jerry Goldsmith qui supporte ces scènes reste encore aujourd'hui une référence, ne serait-ce que par le thème, repris par la série Star Trek : The Next Generation. Enfin, louable est la tentative de faire un méchant (l'étrange et dévorante entité V'ger) pas si... méchant, plutôt que de se lancer dans une confrontation avec d'éventuels klingons ou romuliens, ce qui n'aurait pas été tout à fait dans l'esprit Star Trek. Enfin, et ce n'est pas rien, l'Entreprise a enfin de la gueule.

Alors oui, ce n'est pas l'épisode le plus excitant ou le plus réussi. Mais ce n'est pas le plus honteux (Insurrection est, dans mon souvenir, peut-être le pire de tous). Difficile pourtant de le conseiller à tous, à moins que vous soyez peut-être un/une amoureux(se) transi de space-opera ou un/une indécrottable trekkie.

Misfits, saison 1

2011-08-24T19:47:00.001+02:00

Dernière sensation venue d'outre-Manche, Misfits montre une fois de plus que nos voisins britons savent faire de le bonne série.

En seulement 6 épisodes pour cette première saison, la série se pose vraiment comme celle à surveiller du coin de l’œil, tant l'approche du super-pouvoir est ici abordé de manière rafraichissante, sur certains aspect même décomplexé sans vouloir tomber dans la caricature. Ces pouvoirs tombent littéralement sur la tête de ces 5 marginaux (traduction de misfits), ou au moins 4 d'entre eux (et quelques autres), et ils essayent de s'en dépatouiller tant bien que mal, avec leurs problèmes de jeunes adultes pas franchement dans les clous et surtout avec leur travaux d'intérêt généraux. Pas vraiment d’héroïsme donc, mais de la survie, plutôt.

Les personnages sont bien construits et les 6 épisodes nous permettent de mieux découvrir chacun. On sent tout de même quelques personnages plus fort, plus porteurs, comme Nathan (au milieu sur la photo, insupportable et drolatique petit con égoïste sans pouvoir) et surtout Simon (à droite toute sur la photo), attachant et dérangeant, sûrement le personnage le mieux écrit. Les filles sont un peu en retrait à mon goût, malgré Kelly, au caractère bien trempée, garçon manqué à l'accent (en VO, of course) improbable et inimitable.

Coté histoire, difficile de faire la fine bouche (visuellement ça a de la gueule, et coté narration et action on ne s'ennuie guère), mais je me permettrai, suite à la vision de cette première saison, d'émettre quelques réserves sur la possibilité de tenir cette série sur la longueur. Si cette première saison est une excellente saison d'introduction, il manque un petit fil conducteur, quelque chose qui nous montrerait que le créateur sait d'une manière ou d'une autre où il souhaite nous emmener (mis à part, peut-être, ce mystérieux cycliste à capuche du cinquième épisode ?).

Mais cela reste tout de même un peu du pinaillage (en attendant en tout cas le visionnage de la deuxième saison), tant la qualité globale de ces 6 épisodes, la liberté de ton, l'humour, l'esprit railleur et une BO d'enfer font qu'on devient rapidement accro à Misfits. Immanquable donc, et en VO, uniquement.

Suck

2011-08-17T10:01:00.001+02:00

Voilà donc une petite douceur venu du Canada, plutôt habile et prompte à réveiller la corde sensible qui fait vibrer l'amateur de rock et de canines pointues que nous sommes.

Si pour le rock on repassera (les compositions originales sont sympathiques mais on a connu plus rock), en revanche les divers ingrédients forment une comédie plutôt fun, pas parodique et surtout sincère dans la démarche : la vie de groupe est bien décrite, son passage inévitable à la gloire par le vampirisme vaut aussi des points, les vampires ne sont pas édulcorés, le twist final est sympa, le casting est d'aplomb (mention spéciale à Dave Foley, habitué du petit écran US, en manager) et les caméos sont irresistibles. D'Iggy Pop à Henry Rollins, en passant par l'inévitable présence d'Alice Cooper, on retiendra particulièrement l'apparition improbable de Moby en leader d'un groupe de black metal.

Pas prétentieux mais sérieux du début à la fin, Suck ne révolutionne rien mais nous offre 1h30 d'une comédie horrifique un peu old school et très agréable, film idéal d'un samedi soir pizza entre amis amateurs de péloches qui sentent le cuir, la pleine lune et le sang dans la bouche.

Valhalla Rising

2011-08-16T10:01:00.002+02:00

Une fois de plus, voilà typiquement le genre de film dont je suis client. En clair, je n'ai pas tout compris mais j'ai adoré ça.

Violent, torturé, sombre, fou, perturbant, Valhalla Rising réussit à nous mettre dans le même état de doute teinté de peur que cette équipée de païens et de chrétiens, voguant vers les croisades, mais perdu dans un brouillard à la fois réel, mais aussi d'angoisses, de superstitions, d'aveuglement.

Trip halluciné et superbe (quels décors, quelle photographie, quel acteur), voilà un film que l'on adopte ou que l'on quitte, mais qui ne peut laisser en rien indifférent. Un film qui sent la fin du monde.

L'Armée des Morts

2011-08-15T10:01:00.000+02:00

Y'a-t-il exercice plus casse-gueule pour un premier film que d'être à la tête du remake d'un des films des plus grands films de zombie de l'histoire du cinéma, c'est à dire Dawn of the Dead, plus connu sous nos lattitudes comme Zombies, de George Romero ?

Sûr que c'est à la fois un excellent moyen de lancer une carrière. Ou pas. Tout dépend du rendu final, et c'est typiquement le genre de rendu final scruté à la loupe par des gens comme moi, sachant tout de même que Snyder fait partie de mes réals chouchous depuis 300, et que je n'ai finalement vu ce remake que très récemment.

Mais pour un tel remake, je ne lui aurai concédé aucune faute de goût, tant Zombies est une masterpiece de l'histoire du cinéma.

Alors, sans arriver à la hauteur du brûlot social qu'est Zombies, force est de constater que Snyder a réussi son coup. Bien qu'il garde le centre commercial comme principal lieu d'action du film, l'ensemble n'a finalement pas grand chose à voir avec l'original, tout en se référant pourtant à celui par l'intermédiaire de cameos (Tom Savini, Ken Foree...), de petits détails et bien évidemment par son titre en VO, conservant le même que l'original.

Mais de l'intro (le basculement, en quelques heures, une nuit tout au plus, d'un monde normal à un monde infesté) au final (inattendu mais tellement logique finalement), en passant par un générique (emmené par la voix rocailleuse de Johnny Cash) qui nous annonçait déjà le goût de Snyder pour les génériques intégrés pleinement à la narration du film et quelques morceaux de bravoure, comme la relation à distance (échecs, panneaux, messages...) entre Kenneth et Frank ou le bébé zombie, Snyder nous offre ainsi un film de zombies sacrément efficaces, avec surtout de très bons personnages, forts, lâches, attachants, détestables, usants, pathétiques. Humains quoi.

Bref, Zack Snyder réussit son coup, car il n'a pas essayé de refaire du Romero (chapeau bas aussi au scénario de James Gunn). Il reste ainsi un des films de zombies les plus efficace des années 2000.

Hellboy 2 : Les Légions d'Or Maudites

2011-08-14T10:01:00.001+02:00

On ne change pas une équipe qui gagne, dit-on. Mais encore faut-il gagner avec la manière. Si Hellboy est une franche réussite, sur tous les points de vue, j'ai du mal à l'être autant emballé par sa suite même si, à première vue, tout semblait être réuni pour me faire frétiller mes neurones de fanboy primaire, avec, en premier lieu, un fantastique encore plus présent, que Del Toro chérit particulièrement.

Et c'est sûr que visuellement, il n'y a rien à redire : c'est superbe, grandiose, merveilleux. Du travail d'orfèvre. Mais ça ne fait pas un film, surtout un film d'Hellboy. Et c'est là où le bât blesse.

Comme dans Blade 2, happé par cette civilisation elfique et ce monde magique en fin de cycle, Del Toro lâche son BPRD, un peu en cours de route, préfèrant disserté sur une magie qui se meurt, tel cet esprit de la nature (séquence grandiose mais amère), détruit par le BPRD pour sauver la ville, dernier représentant de son espèce, qui meurt en offrant la nature à la ville dans une séquence émouvante mais perturbante, car il nous manque le principal : de vrais ennemis.

Le prince elfe est un ennemi malgré lui, par ses méthodes, mais son combat se comprend. L'esprit de la nature est un ennemi malgré lui, lui aussi. Seuls les créatures anthropophages de la salle des enchères nous offrent notre dose d'ennemis digne de ce nom, là où la clique de Rasputin nous en donnait pour notre argent dans le premier.

Alors c'est peut-être un pari de la part de Del Toro, de ne pas avoir voulu nous faire un méchant bigger and louder (et pourquoi pas d'ailleurs), mais on perd aussi un peu Hellboy, plus caricatural, moins attachant que dans le premier. Il y a une ambiance de fin de règne, de déprime glissant doucement vers la dépression dans ce film, peut-être volontaire mais mal gérée, qui rend au final le film bancal. Comme si, entre son appétit pour les univers fantastique et son amour du personnage et de l'univers d'Hellboy, Del Toro avait clairement laissé ses pulsions prendre le dessus sur le film.

Hellboy

2011-08-13T10:01:00.001+02:00

Vu que je ne suis pas d'humeur à tourner autour du pot, faisons simple : Hellboy fait partie des toutes meilleurs adaptations d'un comics à l'écran. Respectueux du matériau de départ et fidèle à l'esprit, Del Toro (et Mignolia, qui est loin d'avoir été un simple consultant) nous gratifie en plus d'un scénario d'aplomb, équilibré avec des personnages bien écrits et une intrigue prenante.

Entre des méchants vraiment méchants (la palme à Kroenen), des grosses séquences d'actions (la poursuite entre Hellboy et Sammael), des SFX et des décors de qualité et des acteurs au poil (aucune star mais que du bon, de Perlman à Selma Blair, en passant par John Hurt et Karel Roden en Rasputin, glacial et dérangeant), il n'y a rien a jeter. Et on ne remerciera jamais assez James Cameron d'avoir conseillé à Del Toro le maquillage (superbe travail de Rick Baker) pour Hellboy, plutôt que les images de synthèse, tant Perlman s'est glissé dans ce rôle comme dans un gant et que ce fils des enfers nous paraît vrai. Car on s'y attache, et ce n'est pas le moindre tour de force qu'a réussi Del Toro pour ce grand blockbuster.

Cécuikidikiyé - Sucker Punch (contre-critique)

2011-08-12T10:01:00.000+02:00

Parce qu'on ne peut rien refuser à quelqu'un qui, un jour, dans une 205 sur la route des Martres de Veyre à Opme vous permet, aux hasards de la conversation, de mettre un nom sur un film tant recherché mais au nom oublié, et ce grâce à la simple évocation de trois images gravé dans le cerveau d'un enfant de 7 ou 8 ans. Parce qu'on est pas toujours d'accord. Parce que j'aime qu'on ne soit pas toujours d'accord. Et que cette fois-ci c'est sur Sucker Punch. Merci d'accueillir, pour son avis légèrement différent du mien, M. Fabhenry de Hautefort.

"Typiquement le genre de film qui divise, tout d'abord par l'aura que dégage son réalisateur (la lecture crypto-facho-gay de 300 lui colle aux baskets), mais aussi par l'esthétique filmique qu'il développe depuis 300, symbolisée par les ralentis iconiques qui font sa patte et ses détracteurs."

Vous comprendrez qu’en reprenant l’intro du Docteur, je vais aller dans ce sens. Car oui on peut voir en 300 une idée crypto-facho ou tout au moins expansionniste : après tout l’idée de Frank Miller (grand gauchiste de la NRA, comme Snyder) est que 300 mecs avec des méga burnes vont défendre la démocratie contre une horde de pervers basanés… Bref. Après cela, Snyder a fait un brillant Watchmen, adaptation d’une BD plutôt gauchiste. Donc exit le crypto-facho systématique. Mais on perçoit bien là une logique concernant Snyder : il se fout de l’idée qu’il véhicule. Ce qui compte c’est l’histoire, peu importe le message.

Reconnaissons d’emblée à Snyder une certaine intelligence dans la construction de ses film. Il fallait le faire pour adapter Watchmen sans le trahir et même en trouvant une fin encore meilleure que celle de la BD. 300 se suit sans déplaisir malgré l’idéologie qui pue du cul.

Concernant le visuel, on le voit verser dans un imagerie numérique steampunk, couleur reflets de flammes dans le crépuscule. Cela donne une tonalité pas désagréable à ses films. Mais bon, le numérique va finir par lasser un peu, d‘autant qu‘il pourrait mal vieillir.

Je pense que sur un plan visuel, Snyder circule sur une mince frontière qui sépare le très sympa du ridicule. Si, jusqu’à présent, il versait du bon côté, un coup de vent est passé et l’a fait tomber du mauvais côté. On a l’impression que, dans Sucker Punch, il s’autoplagie, avec ses putains de ralentis sur ses images numériques 2 fois too much… Le charme de 300 n’opère plus.

Plus grave : on s’aperçoit que lorsqu’il doit trouver lui-même message à véhiculer, Snyder n’a rien à dire. Si : l’imagination permet de supporter la réalité. Au temps pour moi.

J’arrête là le sarcasme pour m’attacher à la structure même de l’histoire. Un mélange entre Vol Au Dessus D’un Nid De Coucous pour l’enfer de la psychiatrie 60’s et Inception pour les différents niveaux de réalité. Mais tout cela ne constitue en rien une histoire : ce ne sont qu’une série d’effets narratifs qui, cumulés, rendent le film particulièrement lourdingue.

Du coup, tout cela donne une « Coquille vide boursoufflée » (dixit le Docteur Strangelove, hors contexte)

Snyder est excellent pour adapter, pas pour créer. La morale de tout cela : il ne faut pas péter plus haut que son cul !

Fabhenry de Hautefort

Céçuikidikiyé - Super 8

2011-08-11T13:43:00.001+02:00

Parce qu'on ne peut rien refuser à quelqu'un qui, un jour, dans une 205 sur la route des Martres de Veyre à Opme vous permet, aux hasards de la conversation, de mettre un nom sur un film tant recherché mais au nom oublié, et ce grâce à la simple évocation de trois images gravé dans le cerveau d'un enfant de 7 ou 8 ans. Parce que je ne suis pas non plus suffisamment en forme en ce moment pour me déplacer dans un cinéma. Et enfin, parce que c'est un ami, qu'il sait écrire et que ça fait un moment que je lui propose de lui laisser un peu de place ici. Merci d'accueillir M. Fabhenry de Hautefort.

Les années 80, on est bien d’accord, c’est un peu le chant du cygne du rock’n’roll. Le punk vient de crever comme il l’a voulu, avant d’être majeur. Les synthés, la reverb baveuse et le mixage merdique des batteries se sont mis d’accord pour conjointement saccager ce qu’il reste des groupes 70’s qu’on a aimé et leurs successeurs.

Mais concernant la distraction cinématographique à grande échelle (le blockbuster), les 80’s nous ont donné quelques pièces magiques pleines d’idées farfelues et d’humour bon enfant. Si l’on excepte Star Wars (pardon, la Guerre des Etoiles à l’époque) on suivait des personnages attachants un peu (beaucoup) caricaturaux et l’action prenait place dans un monde que l’on connaissait.

Il y a ceux qui se passent à New York (Ghostbusters)

Et puis il y a ceux qui se passent dans un bled pourri. C’est l’été. On y voit rouiller un groupe d’enfants ou d’ados à caractéristiques définies (le héros pas-toujours-populaire-mais-sympa, l’intello bricolo, le comique, la jolie fille, sa copine grande gueule, etc.) Rien ne semble vouloir troubler leur ennui fait de petits jobs d’été, de râteau avec la bonasse de l’école, et de soirées passées avec des potes un peu débiles…

Quand soudain, un extra-terrestre vous demande de piloter le Navigator ou vous imprime dans la tête des plan pour aller faire les Explorers de l’espace. Ou alors ce plan est dans le grenier du papa antiquaire et le Goonies peut aller sauver Astoria. Ou sauver la terre d’une invasion qui vient de Mars. Ou même aider un E.T. à téléphoner maison (ligne fixe only)

Et moi, petit pré-ado des 80’s de Corrèze qui rouille en été, je me disait que rien n’est perdu, que le vaste monde commence justement dans mon bled pourri.

Certes, ces films sont plus ou mojns bon, mais je m’aperçois qu’ils ont une touch très 80’s et forment un élément de nostalgie plutôt sympa.

Super 8, c’est tout ces films en bien. Voire en mieux pour un certain nombre.

Le groupe d’enfants est bien typique et l’on peut s’y reconnaître mais les persos ne sont pas caricaturaux même si typés (le héros en deuil mais qui ne se la joue pas blessure secrète, son pote exalté mais immature, son copain débilos mais un peu inquiétant, la jolie qui ne se la pète pas bourgeoise,…)

Et surtout : ils sont bien dirigés. Les acteurs jouent vraiment bien. Cela n’a pas toujours été le cas dans les 80‘s. Le réal se permet même une mise en abîme : il se font un petit film de zombie (en Super 8) et les enfants sont amenés à jouer les acteurs. Bons acteur ou mauvais acteur. Déjà, avec un acteur pro, c’est pas toujours très heureux. Mais faire cela avec des enfants, c’est risquer la catastrophe (qui a dit Harry Potter ?)

Le décor est bien foutu aussi. On est 1979, mais on ne se sent pas dans une reconstitution. Abrams n’insiste pas sur les élément habituellement très 80’s, hormis la super 8 et une allusion au communisme. Le reste pourrait encore se trouver aujourd’hui. Il aurait pu nous passer à longueur de temps de la musique de merde, nous mettre des coupes mulets et des moule-burnes. Mais non. Ouf !

Avec tous ces éléments, Abrams pose une ambiance. Et c’est cette ambiance qui fait tout le sel du film. Abrams a fait le choix de mettre en avant tout ce qui nous plaisait finalement dans ces film : les liens entre les personnages, leurs sentiments respectifs, leurs secrets, leur volonté acharnée de vouloir finir leur film malgré tous les événements, etc. Tout cela prime sur une histoire de monstre / ET qui terrorise le ville. En cela, il va à l’inverse du modèle 80’s : là où, à l’époque, les personnages servaient de base identificatoire pour rendre le suspens efficient, ici c’est la trame de l’histoire qui révèle et fait évoluer les personnages. Le père dit à un moment à son fils : «c’est la première fois qu’on fait face ensemble, seuls, à une situation. » Ce qui compte est plus le lien que ça met en jeu que la situation elle-même ou la manière dont ils y font face.

Bon, c’est pas le Garçu de Pialat. Ni même Tomboy. Y’a quand-même une histoire d’E.T. avec des effets spéciaux bien faits et des scènes d’action haletantes. Mais ce qui reste c’est cette nostalgie sympa de nos jeunes étés ennuyeux où finalement tant de choses se sont passées et ont pu faire de nous un peu de ce que nous sommes.

Fabhenry de Hautefort

My Jukebox Monthly (août 2011)

2011-08-08T21:03:00.000+02:00

Harry Potter et les Reliques de la Mort - 2ème Partie

2011-07-16T10:01:00.002+02:00

Vu en 3D, donc évacuons d'emblée ce point : hormis à une ou deux rares exceptions, elle ne sert à rien et n'apporte somme toute aucune plus value à cette deuxième, la 3D n'étant, comme presque toujours, qu'un attrape-nigaud et un nouveau moyen de faire cracher du pognon.

Alors oublions la 3D, et posons nous la seule question qui vaille la peine d'être posé dans ce post : cette deuxième partie vaut-elle la première ?

Avec malgré tout une légère préférence pour la première partie, il est difficile de faire la fine bouche eu égard à la qualité de cet ultime filme de la saga Potter, qui n'en a elle pourtant pas beaucoup. Entre casting ultra d'aplomb (les seconds rôles ont toujours été la force des films, et je pourrais faire la liste des énièmes excellentes trouvailles, de Rhys Ifans à Cirian Hinds) et loin d'être sous-utilisé à l'écran (Neville a de la carrure, Bellatrix Lestrange est une fieffée sadique, la déchéance des Malefoy est parfaitement retranscrite, en particulier Lucius, tragique et pathétique,...) et jolies trouvailles (l'excellente séquence du conte de Beedle le Barde : enfin un peu d'inventivité formelle dans la saga), David Yates réussit une deuxième fois son coup en passant haut la main quelques séquences clés.

Du siège terrible de Poudlard au casse de Gringotts (dans les deux volets des Reliques de la Mort, le polynectar est utilisé à merveille et ici Helena Bonham Carter nous campe à merveille une Hermione essayant d'être Bellatrix), de la (superbe) scène de la pensine à l'affrontement final, l'émotion et le spectacle sont là, bien présents, sans fausses notes.

Si notre plaisir est grand de voir cette saga se finir ainsi, avec le sceau de la qualité, on restera frustré par le gâchis global concernant l'adaptation de la saga poudlardienne au cinéma, au potentiel magique ruiné par l'appât terrible du merchandising. Mais ne boudons pas notre plaisir, ces Reliques de la Mort sont ce qu'auraient du être les autres films : des films prenants, profonds, pleins de magie, d'amour, d'aventure et d'amitié. Et pour une fois, le succés (nous ne doutons pas que cet ultime film en sera un) sera amplement mérité.

Harry Potter et les Reliques de la Mort - 1ère Partie

2011-07-15T21:49:00.001+02:00

Sans une soirée Reliques de la Mort au Gergovie (excellent ciné municipal) ce mardi 12 juillet, qui proposait en double programme et à un prix modique les deux volets de l'ultime chapitre de la saga poudlardienne au cinéma (dont la deuxième partie en avant-première), il est clair que j'aurai attendu une sortie en DVD pour les regarder. Plutôt refroidi par la qualité très moyenne des longs-métrages (cliquez sur le tag harry potter pour vous remettre en tête mon avis sur les précédents films), rien ne me poussait vraiment à les voir au cinéma, si ce n'est la possibilité exceptionnelle de pouvoir aller au cinéma en couple et en soirée. De plus, ma chère et tendre, qui avait vu il y a 6 mois cette première partie, était ressortie plutôt déçue.

Faire des Reliques de la Mort deux films sentait tout de même l'attrape-gogo à plein nez : pourquoi finir sur un film de 2h20 alors qu'on doublerait la mise avec deux films de 2h20 ? Le succés étant quasi assuré, sûr que la Warner n'allait pas se gêner.

Et bien étonnement (à commencer pour moi), c'est peut-être la meilleure idée qu'ont eu les exécutifs de la Warner depuis le début de la saga (à par le fait d'avoir engagé Cuaron sur le troisième). Car, sans rire, cette première partie des Reliques de la Mort est sûrement le meilleur Harry Potter depuis le Prisonnier d'Azkaban. En divisant l'histoire en deux films, enfin David Yates et le scénariste Steve Kloves peuvent proposer un vrai film d'Harry Potter, ample, posé, complet, conforme à l'esprit et à la lettre des livres. Tout y est bien dosé, sans perte de rythme (point noir des précédents Potter de Yates), les personnages, même secondaires, sont bien présents et surtout, l'ambiance de Troisième Reich, dont le cinquième volet portait le germe, commence à devenir pesante, et terriblement prenante.

Le réalisateur se permet même une séquence terrible, où Bellatrix Lestrange torture Hermione, rappelant de sombres heures où l'on marquait à vie les "sang-impurs". Enfin, et surtout, l'émotion est là, dans l'introduction, superbe et terrible, dans les scènes d'action (excellente scène sur l'autoroute) et dans la relation entre les peronnages (rarement la relation d'amitié entre les trois compères a été si bien retranscrite à l'écran, et la scène de danse entre Harry et Hermione en est un bel exemple). Alors, oui, Daniel Radcliffe et Emily Watson restent toujours les maillons faibles coté casting, mais la qualité de l'ensemble a fait que, pour une fois, leur jeu moyen s'est effacé au profit d'un vrai bon moment de cinéma, et du plaisir de voir enfin un film signé Poudlard digne de ce nom.

Et au terme d'une pause d'une demi-heure, je ne souhaitais qu'une chose : que la deuxième partie soit du même acabit, histoire de finir cette saga si bancale sur un coup d'éclat.

X-Men Origins : Wolverine

2011-07-05T17:01:00.001+02:00

Où comment bousiller l'aura animale d'une des icônes Marvel pour en faire une espèce de truc caricatural, digne des pires heures du cinéma d'action. Situations milles fois vues et revues, traitées sans même une once de tentative d'originalité, de l'opposition des deux frères à la planque au fond des bois pour oublier une vie de crimes, de la situation du gars qui n'a plus rien à perdre à la trahison de tous.

Bourré de clichés (le sourire au coin des lèvres, Wolverine marche au ralenti quand explose en second plan un hélicoptère) qui semblent faire la moelle épinière du scénario, le Wolverine présent ici a plus rapport avec une éventuelle franchise musculeuse quelconque de la "grande" Cannon dans les eighties qu'au personnage trouble et violent qu'il est sensé être. Mais il faut faire des choix, et le choix ici est clairement de capitaliser sur le merchandising de la Marvel.

Alors, amoureux du personnage de papier ou de celui dessiné par les films de Singer (Hugh Jackman réussit une superbe imitation/caricature de lui-même jouant Wolverine en pire), passe ton chemin. Jamais capable de produire une seule miette de qualité (à part peut-être la fugace apparition de Wade Wilson, pour les connaisseurs, rare élément presque en lien avec l'univers originel) y compris dans les scènes d'action, voilà une péloche digne de passer directement aux oubliettes.

Voire, si vous pouvez éviter de regarder ce machin (avec cependant une dispense pour les masos et les pervers) et vous contenter de tout le mal que j'en dis et que j'en pense...

X-Men : L'Affrontement Final

2011-07-04T17:03:00.000+02:00

Exit Bryan Singer, engagé sur le (plutôt bon) reboot de Superman, welcome Brett Ratner. Aïe.

Quand je l'ai vu au cinéma à sa sortie, j'avais le mince espoir que ce tâcheron nous torche au moins un film convenable. Et je suis sorti de la salle avec l'envie de brûler cette immonde péloche.

Dégueulé avec le style ratnerien habituel, c'est à dire à la truelle et avec le goût de la merde bien faite, on préfère désormais (et il suffit de regarder l'affiche pour s'en convaincre) mettre le paquet sur les deux stars bankable, Hugh et Halle, à la place d'un scénario et d'une narration potable et faire dans la surenchère d'apparitions à l'écran (toutes plus inutiles les unes que les autres) de mutants prompts à satisfaire le fanboy, que les executifs doivent imaginer docile et pavlovien, du genre "ouah trop cool c'est génial ce film ils ont mis Leech, Angel et on voit même le Fléau et Psylocke moi dans la BD je la trouve trop bonne Psylocke". Ce qu'il est, certes, parfois, mais faut pas non plus le prendre pour un jambon-beurre de la SNCF.

Un ratage complet, où le Phœnix est un espèce de micro-onde sur deux (belles) jambes et où Wolverine n'est plus qu'un truc musculeux sans âme. Seul surnage un peu Magneto dans cet océan de médiocrité, où, clairement, on vire les personnages et les acteurs moins bankable en les tuant : Cyclope, Mystique, Xavier... Et l'affrontement final tant annoncé frise la blague de mauvais goût.

C'est peut-être ça le truc avec Brett Ratner : c'est un comique et son humour est loin d'être encore compris par le commun des mortel. Je ne serai pas en tout cas de ceux qui le réhabiliteront par ce biais (ni par un autre d'ailleurs), car il a réussi en deux heures de film à gâcher beaucoup de choses (ou, si l'on se place d'un point de vue plus objectif, à permettre des vocations comme pour le Wolverine dont la chronique arrive demain) et surtout à devenir l'un de mes nemesis, avec Michel Sardou, Claude Lelouch et ma prof de maths de seconde.

X-Men 2

2011-07-03T21:33:00.001+02:00

Après un premier jet satisfaisant sans casser pour autant la baraque, Bryan Singer se devait de transformer l'essai, eu égard aux potentialités esquissées dans le volet précédent.

Il aura ainsi suffi d'une scène, la première dans la Maison Blanche, pour comprendre que Singer avait placé la barre un chouïa plus haut en terme d'ambitions formelles (rien que cette scène avec Diablo explose toutes les scènes d'action du premier) et narratives. Avec cette fois-ci un véritable ennemi (Stryker est une belle pourriture) et un contexte politico-narratif prompt à nous rappeler quelques belles heures de la guerre contre le terrorisme, Singer nous déroule l'un des grands films de super-héros de la précédente décennie, sombre, violent, où l'héroïsme prime moins que la survie.

Là où dans le précédent volet nos mutants manquait un peu de profondeur, ils gagnent ici de la prestance (Ian McKellen EST Magneto), du charisme (mamma mia Jean Grey...), de l'humanité (Mystique en particulier prend une belle dimension, au delà de la plastique de Rebecca Romjin). Surtout Singer évite la surenchère en terme de nouveaux personnages, et offre en tout cas un véritable intérêt (un Diablo très réussi) à ces arrivées.

Là où les X-Men ont souvent été intéressant dans les comics, c'est dans le sombre, la violence, le conflit avec l'humanité (le Phoenix Noir, Genosha...) et il me semble que c'est cet esprit politique et désenchanté que Synger a retrouvé dans ces deux heures de (très bon) film. Et en apercevant l'ombre d'un phœnix sur les eaux d'Alkali Lake, on ne pouvait qu'être impatient à l'arrivée d'un troisième volet...

X-Men

2011-07-02T21:45:00.000+02:00

Pas facile de mettre à l'écran près de 40 ans d'une des franchises de comics les plus prolifiques (et à mon goût un chouia bordélique à partir des 90's) de la Marvel en contentant les fanas et les moins délicats, ainsi que les néophytes. Quelle équipe choisir, quel super méchant, quel fil conducteur ? 1h30 pour introduire au cinéma un univers si dense, c'est évidement casse-gueule, même si une suite était à l'époque plus qu'envisagée et que ce premier volet servait plus de rampe de lancement.

Et c'est ce que Singer réussit, une bonne introduction, pas transcendante mais bien menée. Le choix des personnages est difficilement contestable même si certains regretteront l'absence d'ici le Fauve, de là Angel/Archangel ou encore de super-vilains bien vilains. Car si ce premier volet est loin d'être exceptionnel, Singer ne galvaude pas le matériel et plutôt que de faire un simple affrontement gentils-méchants, il met en place ses pions, loin du facile manichéisme primaire : la relation Xavier-Magneto, le potentiel de Mystique, l'aura trouble de Wolverine et l'arrière-plan politique (le problème mutant), tous ces éléments qui feront le cœur du deuxième volet.

Voilà donc juste un bon film, agréable et bien plus excitant par le potentiel entrevu que par ses qualités intrinsèques (hormis Xavier et Magneto, nos mutants manquent un peu de profondeur), plutôt dans le haut du panier des adaptations des comics Marvel. Pas non plus l'équivalent du premier Spiderman de Raimi, mais il est plus facile surement d'adapter un personnage plutôt qu'une équipe. Quoique, lorsqu'on voit les ratages, de Daredevil à Ghost Rider en passant par Elektra, on se dit qu'on aurait pu passer pas loin de la catastrophe, car la Marvel ne prête guère d'attention à la qualité des adaptations à l'écran. Mais ceci est un autre débat, qui ne concerne (presque) pas les X-Men sur grand écran. Et j'ai bien dit presque.

My Jukebox Monthly

2011-07-01T10:18:00.003+02:00

Sucker Punch

2011-06-25T11:11:00.003+02:00

Typiquement le genre de film qui divise, tout d'abord par l'aura que dégage son réalisateur (la lecture crypto-facho-gay de 300 lui colle aux baskets), mais aussi par l'esthétique filmique qu'il développe depuis 300, symbolisée par les ralentis iconiques qui font sa patte et ses détracteurs.

Vous comprendrez, par cette introduction, que je ne ferai pas partie de ceux-là.

Fétichiste, grandiose, grandiloquent, ultra-référencé, sexy, violent et pas sans défauts non plus, Snyder nous offre un spectacle de cinéma (tout est très réfléchi jusque dans la musique) étonnement personnel et humain, tout en évoquant un maelström de références allant de l'héroic fantasy, du steampunk, du manga à l'inévitable Alice et aux jeux vidéos (à croire que les films qui ont le mieux retranscrit les codes du JV sont ceux qui n'essaient pas d'en adapter).

Indéniablement doué techniquement, Snyder propose à nos mirettes des plans et des séquences ébouriffantes (le plan-séquence de la scène du train) mais aussi deux duos de personnages totalement opposés, très bien joués et qui portent l'âme du film : Baby Doll/Sweat Pee et Mme Gorski/Blue Jones. Et si son principal défaut, à mes yeux, est de faire des autres jolies minettes de simples side-kick un peu vides, Snyder n'est pas non plus du genre à laisser de cotés ses personnages et l'explication est donc peut-être à trouver ailleurs. Car, si le trouble jeté par le final, les trois niveaux de réalité et l'entière relecture possible dès qu'on réfléchit à nouveau à l'histoire, quand le rideau rouge s'ouvre aux premières secondes du film, tout cela donne aussi à penser ces side-kick différemment, et toute l'histoire finalement.

Coquille vide boursoufflée pour certains (et pourquoi pas ?), grand film pour d'autres, dont moi, Sucker Punch pose désormais Zach Snyder comme un réalisateur contesté, peut-être contestable mais aussi indubitablement passionné par ce qu'il réalise. Et c'est déjà pas si mal. Pour moi, c'est en tout cas un film monstre, un film qui marque, un grand moment de cinéma.

Les Valeurs de la Famille Addams

2011-06-24T09:10:00.007+02:00

On prend les mêmes et on recommence...

Sans apporter de véritables changements de taille par rapport au premier volet des aventures de la famille Addams, Barry Sonnenfeld nous offre une comédie familiale gentiment incorrecte, avec son lot de petites vengeances envers quelques symboles du bon goût et de la bienséance made in USA.

Si le scénario diffère peu du premier dans ses grandes lignes (il y a toujours quelqu'un qui en veut à la fortune des Addams, l'amour entre Gomez et Morticia est toujours aussi joyeusement desaxé et les enfants déploient toujours des trésors de sadisme), on garde toujours un certain plaisir à voir un camp de vacances massacré (et la pique facile à Disney fait toujours du bien), un nourrisson à moustache, nourri au russe blanc, cible de la jalousie sadique des ses frangins et un furieux et libidineux tango, tout cela grâce tout d'abord à un casting impeccable et une interprétation au poil.

Je pense même que ce deuxième volet est supérieur au premier, Sonnenfeld exploitant à merveille la noirceur divertissante de chaque Addams, et en particulier en ce qui concerne la petite perle du film, Mercredi (Christina Ricci forever), entre ses amours naissantes et son mauvais esprit poseur.

Presque 20 ans et toujours jubilatoire, Les Valeurs de la Famille Addams passe les années en gardant cette amertume vivifiante, gentil majeur dressé salutaire sans être révolutionnaire.

The Tree of Life

2011-06-22T17:00:00.003+02:00

Palme d'or, chef d'oeuvre, croûte, navet cosmique, et j'en passe. Fais ton choix, camarade !

Moi je l'avais fait, avant même de voir le film.

Je suis une midinette, une midinette qui aime ne rien comprendre à des films contemplatifs dont la BO est composé de somptueux morceaux de classique, et qui pleure en écoutant la Moldau, en voyant des séquences spatiales ou de retrouvailles familiale sur une plage situé dans un ailleurs, au son du superbe Agnus Dei du Requiem de Berlioz.

Alors, je l'avoue, une seconde fois, je ne suis pas sûr d'avoir bien compris le propos du film, mais j'ai retrouvé ce qui m'a transporté déjà dans La Ligne Rouge : les voix-offs, les plans, la lumière, le grain, les musiques, les paroles, les acteurs... Et ça m'a suffit. Et ce n'est peut-être pas le chef d'oeuvre attendu, c'est peut-être une croûte métaphysiquement fatigante dès que Mallick nous parle d'autre chose que de ce cocon familial. Certains diront même que le réalisateur se regarde largement filmer ou aurait mieux fait de filer une partie de son film à la Cinquième pour ses docus géo ou paléo. Et sûrement que toutes ces critiques sont largement justifiées.

Mais je ne suis ontologiquement pas objectif. Je ne peux pas l'être pour ce genre de film, de réalisateur (mais il n'y en a pas beaucoup comme Mallick avec ce talent de mise en image). Je ne me l'explique pas. Il y a bien des clients pour tout un tas de conneries façon Camping et on ne leur demande pas pourquoi. Moi (et je vis très bien avec), mon truc, c'est l'opéra-requiem à propos de la vie, de l'univers et du reste sur grand écran, avec des images des graminées vibrant avec le vent d'été dans un champ et du Bach en fond sonore.

X-Men - Le Commencement

2011-06-21T22:25:00.006+02:00

Alors qu'Ultime Tâcheron, le super-vilain du navet gros budget à Hollywood j'ai nommé Brett Ratner, avait quasiment enterré la franchise X-Men au cinéma avec l'affreux X-Men 3, je ne donnais pas cher de la possibilité de relancer la franchise.

Mais Bryan Singer, l'instigateur et réalisateur des deux premiers volets, n'a pas lâché l'affaire et proposé le reboot à Matthew Vaughn, tout juste auréolé du succés (largement mérité) de Kick-Ass, mais surtout réalisateur engagé à l'origine sur le 3 et qui avait pourtant quitté le navire avant le début du tournage. Et on en vient à regretter de fait cette décision, car Matthew Vaughn semble avoir tout compris, ou presque, de ce qu'il fallait faire et ne pas faire sur ce genre de film.

Alors j'évacuerai rapidement l'éventuelle querelle ou les possibles réticences quant au canon Marvel, car si quelqu'un comprend exactement où en sont les X-Men, dans quelle dimension parallèle, quel reboot faut-il respecter, quelle équipe faut-il prendre en compte, qu'il me fasse signe, je me ferai un plaisir de lui laisser la parole ici-même.

Je disais donc : Matthew Vaughn a (presque) tout compris. Retour au duo Xavier-Magneto, mais cette fois-ci aux origines, aux 60's, période à la fois foisonnante dans l'histoire du comics lui-même, mais aussi riche en terme de background historique, tant sur la guerre froide que sur la poussée de la défense des droits civiques (le "mutant et fier de l'être" scandé plusieurs fois fait immédiatement penser au "black and i'm proud"). Mais plutôt que de rester sur des aspects sombres, durs principalement développé par Singer dans les deux premiers, les 60's permettent aussi à Matthew Vaughn d'instiller un peu de légèreté, d'humour, de pop façon James Bond. De ce point de vue, le duo Emma Frost-Sebastian Shaw (gigantesque Kevin Bacon) est james-bondien au possible, de la tenue/coiffure de la vénéneuse télépathe au sous-marin classieux de Shaw. Pop certes, mais jamais caricatural, et pas toujours tendre avec ses héros, ne serait-ce qu'avec Xavier, petit péteux dragueur, Gandhi du mutant mais conformiste au possible dès qu'il s'agit de l'apparence de Mystique.

Matthew Vaughn n'oublie aucunement le spectaculaire, sans en faire trop, et réussit particulièrement cette ultime scène, la tentative de vengeance de Magneto envers les navires US et russe. On peut pourtant reprocher à la fine équipe (s'il ne signe pas le scénario, Singer est pourtant à la production) un petit péché d'autoplagiat de par la séquence de massacre/élimination par un téléporteur, car la scène (bien fichue au demeurant car tout se passe au second plan) où Azazel élimine un section entière de la CIA est tout de même un sacré copier-coller de la spectaculaire séquence d'ouverture d'X-Men 2 avec Diablo au sein de la Maison Blanche.

Casting impeccable (aucune faute de goût, premiers ou seconds rôles), solidité et rythme de l'ensemble, il ne faut pas bouder son plaisir devant ce retour en grâce, ou au moins en très grande forme de mes mutants favoris, surtout que les dernières productions Marvel n'ont pas laissé de traces imperrissables. Et Matthew Vaughn confirme, avec ce quatrième film, son goût du travail bien fait (et pourtant le délai pour ce X-Men a été court, 13 mois toute phase comprise) et son sens indéniable du spectacle intelligent. Définitivement, un réalisateur à ne pas perdre de vue.

Kaboom

2011-06-16T17:51:00.000+02:00

Joyeux mélange jouissif et foutraque, Gregg Araki nous joue là Philip K. Dick versus Beverly Hills 90210, dans la parenthèse US acidulée et libérée des années de fac.

Porté par une tripotée d'acteurs aussi clichés que talentueux (mon dieu, les yeux de Thomas Dekker, et graou Roxanne Mesquida), ainsi que le cameo improbable de James Duval (le double 90's à l'écran d'Araki dans son triptyque de l'apocalypse adolescente : Totally Fucked Up, The Doom Generation et Nowhere), Kaboom est une petite bombe nihiliste et orgasmique, où Gregg Araki détourne les codes du soap et du film de fac pour en faire un film... d'Araki.

A voir, à revoir, sans modération, jusqu'à la fin du monde.

Rubber

2011-06-15T20:58:00.003+02:00

Rubber est un exercice de style (que certains pourront rapidement trouver ennuyeux, je le consens volontiers), ne serait-ce que par l'utilisation du désormais fameux appareil photo Canon5D en guise de caméra (et il faut dire que ça a de la gueule). Mais pas que.

Quentin Dupieux déclare ici son amour à la suspension consentie d'incrédulité, c'est à dire ce qui, sans aucune raison que notre acceptation pleine et entière de ce qui se passe à l'écran, fait le sel et l'intérêt de tout un cinéma. Aucune raison, tel est le credo.

Alors oui, on adhère ou pas, et il peut être difficile de s'accrocher à ce film alors qu'il fait tout pour nous perdre, nous perturber, nous poser des questions sans réponse. Mais force est de constater que chez Dupieux, l'imagination se met amplement au service de la mise en scène, ne serait-ce qu'au travers de cette fabuleuse séquence d'éveil du pneu. Il a également l'intelligence de ne pas faire durer le plaisir outre mesure (1h20 environ), et le bon goût d'avoir mis Roxanne Mesquida à l'écran.

Alors oui, Rubber, j'ai aimé. Et pourquoi ? Aucune raison.

My Jukebox Monthly (juin 2011)

2011-06-02T10:54:00.002+02:00

La Famille Addams

2011-02-13T13:00:00.005+01:00

Déjà presque 20 ans pour cette Famille Addams, et il faut dire qu'elle vieillit plutôt bien. Si l'on passe outre la chanson du film chantée par MC Hammer (Addam's Groove, pour les plus courageux seulement...), Barry Sonnenfeld nous offre un divertissement gentiment incorrect et gothiquement hollywoodien, prenant un malin plaisir (et nous aussi) à retourner le canon des comédies familiales hollywoodiennes. Il faut dire que l'air était propice, les Simpsons exposaient hardiment leur mauvais esprit à la télé et Burton avait montré la voie et trouvé le succés avec Beetlejuice et Edward aux Mains d'Argent.

Si l'histoire est somme toute classique (le retour de Fester après 25 ans d'absence... mais est-ce bien lui où un imposteur ?), Sonnenfeld ne ménage pas ses efforts pour maintenir le rythme de film, ponctuant l'intrigue principale de scénettes vachardes, où Mercredi (exceptionnelle Christina Ricci) déploit tous ses talents en tortures diverses. N'oublions pas le couple amoureux fou, flirtant régulièrement avec le SM, que forme Gomez et Morticia, tout deux incarnés avec beaucoup de classe par le défunt Raul Julia et la troublante Angelica Huston (qui d'autre aurait pu être Morticia ? Hein ?). Christopher Lloyd en fait des caisses mais cela sied parfaitement à Fester et souvenons enfin la performance technique qu'a été la réalisation de la Chose, la main vivante jouée par l'acteur canadien Christopher Hart, dont l'ensemble du corps a été effacé numériquement pour ne conserver que la main à l'écran.

Pas avare en mauvais esprit, en bons mots et en décadence visuelle, la Famille Addams est une vrai douceur gentiment acide et défoulatoire qui ne fait pas son âge. Si Hollywood pouvait nous en refaire quelques unes, de péloches, dans le genre de temps en temps...

Pour Elle

2011-02-10T10:30:00.000+01:00

Cas typique du sujet casse-gueule avec lequel on voit venir les gros sabot de la mécanique tire-larmes. Une femme en prison dépressive, une erreur judiciaire impossible à prouver, un mari seul avec l'enfant, follement amoureux... Vu de loin, ça craignait, ça puait le pathos et la dégoulinade de bons sentiments.

Et pourtant, le film évite tout cela. Avec sobriété (impeccables Vincent Lindon et Diane Kruger), Fred Cavayé déroule le fil de l'attente, de l'ennui, de la dépression, des petites souffrances quotidiennes du manque et de l'absence, jusqu'au moment où tout cela est insoutenable. Si elle prend le point de vue de Lindon, jamais la caméra ne se permet de prendre parti, de juger en bien ou en mal ce que ce mari met en place pour retrouver le bonheur d'avant au risque de tout perdre.

Jusque dans le final, où l'on se prend tout de même au jeu de la montée d'adrénaline, Cavayé garde cette distance, cette finesse, sans proposer ni une fin tragique ni un happy end. Car si la dernière image est saturée de soleil, difficile pourtant d'y voir une évasion belle et dorée sous des latitudes exotiques...

My Jukebox Monthly (février 2011)

2011-02-09T10:37:00.002+01:00

Le Beau-Père

2011-01-10T22:01:00.004+01:00

Remake d'un film de 1987, il n'est pourtant pas la peine de se demander s'il vaut ou non l'original (et ça tombe bien, je ne l'ai jamais vu). Il n'y a en effet pas grand chose à sauver dans ce thriller mollasson et convenu, qui peine à donner du rythme et un tant soit peu de frisson à cette histoire pourtant pas inintéressante de maniaque au vernis de beau-père idéal.

Seul le casting quasi exclusivement issu des séries US (d'Urgences à Gossip Girl, en passant par American Gothic, Nip/Tuck, Heroes et House) tient un tant soit peu la route, et soulignons ainsi tout particulièrement la prestation de Dylan Walsh (le Dr MacNamara de Nip/Tuck, où il montrait déjà sa capacité à faire surgir les aspérités d'un personnage aux allures du bon père WASP libéral) qui campe le fameux beau-père sans outrance et dont la simple présence crée le malaise. Mais il ne sauve pas le film, qui lui s'englue dans le cliché final du dénouement sous l'orage et de la petite fin ouverte.

Les plus lubriques d'entre rendront grâce enfin au réalisateur de nous offrir une Amber Heard (All the Boys Love Mandy Lane) en sous-vêtements et bikini les 3/4 du film. Mais l'on se permettra aussi d'ajouter qu'il aurait pu passer aussi un peu d'énergie à réaliser quelque chose de plus potable quand on voit ce que l'acteur principal a fait de son personnage. Allez hop, aux oubliettes la vilaine péloche.

My Jukebox Monthly (janvier 2011)

2011-01-02T15:03:00.002+01:00

Et bonne année à tous !

When You're Strange

2010-12-28T10:13:00.000+01:00

Ce rockumentaire ne vous apprendra rien de vraiment nouveau sur les Doors, à moins que vous ne connaissiez pas grand chose de ce groupe. Mais justement, pour ce qui ne connaissent pas grand chose à ce groupe, je ne peux que vous conseiller, si vous deviez choisir entre le biopic d'Oliver Stone et le travail de Tom DiCillo (qui répond là pourtant à une commande de la maison de disque), de choisir ce dernier, tant on est ici à mille lieues de l'iconisation et de la romantisation du frontman indéniablement charismatique qu'était Jim Morrsion.

Et s'il est impossible de séparer l'histoire de la carrière du groupe de celle du Roi Lézard, DiCillo et son narrateur (Johnny Depp, au poil) ont l'intelligence de raconter ces deux histoires, intimement liées, et de nous rappeler (et il le savait) que Morrison n'était rien sans les trois autres, et inversement, sans condescendance ni . Le point fort de ce documentaire est aussi de nous rappeler toujours le contexte de ces 4 ans et des poussières qu'a duré la carrière des Doors, ce groupe jamais très politisé mais trainant une aura de souffre et de liberté, pleinement dans son époque et conscient de celle-ci.

Étrange carrière pour un groupe à part, sans vraiment de descendance, de ce conglomérat hétéroclite d'horizons (jazz, classique, flamenco, poésie, magie...), et When You're Strange en est la trace, le bel hommage juste et simple, loin des clichés sulfureux qu'Oliver Stone, lui, avait aimé grossir dans son biopic. Ici, au fond, c'est plutôt la musique et non les faits divers qui entraine le film et n'est-ce pas, au final, ce qui restera des Doors ?

Pour l'anecdote, j'ai été amusé de voir à la production de ce documentaire un certain Dick Wolf, que je connaissais plutôt comme producteur du pénible univers sériesque des Law & Order (New York Unité Spéciale, Section Criminelle, etc...). Il semblerait que ce même Dick Wolf soit un fan absolu des Doors et qu'il n'a pas hésité une seconde à produire quand il a su que le documentaire se montait. Merci donc à Law & Order, d'une certaine manière !

Machete

2010-12-27T22:31:00.000+01:00

Objectivement, Robert Rodriguez nous étire une fausse bande-annonce (tirée du projet Grindhouse) de 5 minutes sur 1h45, et ça se voit. Rodriguez bricole une scénario que n'auraient pas renié les productions Cannon, gère son casting façon club med (le potentiel du personnage de Don Johnson est clairement sous-exploité et la miss Lohan est là pour les nichons) et on l'a connu plus inspiré question réalisation.

Mais ne vient-on pas voir Machete aussi pour ce genre de défauts, ou en tout cas sans illusion aucune quand au fond et à la forme dudit objet ? Nous ne sommes pas chez Godard ou Bergman, alors il est tout de même plutôt facile de passer outre ces menus défauts. Car Machete est un pur plaisir bis/pop-corn, avec du big gun (et de la grosse lame), du big tits et de la punchline (et deux ou trois banderilles envers la politique de gestion des flux migratoires au niveau du Rio Grande). Et des acteurs qui savent certes qu'ils ne sont pas ici pour la course aux oscars, mais qui font le job à commencer par De Niro, visiblement ravi de cabotiner façon facho redneck, et par les très charmantes et convaincantes Jessica Alba et Michele Rodriguez. Et il y a un petit plaisir, façon revanche, de voir les rôles s'inverser et cette sale trogne de Trejo foutre une branlée au gros pèpère de Seagal (dans son tout premier rôle de bad guy). Enfin, rayon bisserie, Rodriguez sait quand même ouvrir les vannes avec quelques scènes inventives, entre un rappel avec 15 mètres d'intestins, une crucifixion plutôt hard et un final très western façon Fort Alamo entre clandos mexicains et bouseux blanc-bec tendance KKK.

Alors, au final, si Rodriguez est quand même loin de son Planète Terreur ou de sa Nuit en Enfer, il arrive tout de même à remplir le contrat, celui de proposer un bis craspec et fun, décomplexé et fier de son statut de péloche bis. Machete reste ainsi jubilatoire, même si Rodriguez n'a vraiment pas forcé son talent sur cette péloche-ci. Souhaitons tout de même qu'il se racle la soupière un peu plus pour la prochaine fois.

Inception

2010-12-23T10:20:00.007+01:00

J'étais pourtant le client idéal : scénario alambiqué juste ce qu'il faut (introduction labyrinthesque au possible), bonnes idées (les défenses du subconsient qui cherchent l'auteur du rêve, le personnage de Cotillard), caméra brillante, prouesses techniques (les scènes en apesanteur dans l'hôtel sont bluffantes) et casting haut de gamme (Leo Di Caprio se bonifie avec l'âge, Cotillard a la classe, Ellen Page confirme tout le bien que je pense d'elle...).

Mais si ce n'est pas un mauvais film, disons tout de même qu'il est possible qu'on en ait fait beaucoup trop autour de ce film. Très solide sur beaucoup de points, Christopher Nolan pêche pourtant ici par ambition, tant il semble vouloir nous épater plutôt que de nous émouvoir. Il rate ainsi quelques points intéressants comme les soi-disantes architectures labyrinthiques des différents rêves (quasiment inexploitées), la fin ouverte est un peu facile (dans ce genre de film, une telle fin frise le cliché), la séquence neigeuse jamesbondesque est plutôt raté et le concept d'inception est complétement sous-exploité. En effet, si l'implantation d'une idée dans l'esprit du personnage de Cillian Murphy est sensée être l'une des deux intrigues principales, toute cette partie de l'histoire n'est guère immersive et sa conclusion est torchée à la truelle.

Mais surtout, là où Nolan se plante, c'est dans l'émotionnel du monde du rêve. Alors que ce monde-ci est sensé être régi par les émotions, les rêves apparaissent toujours froids, durs, glaciaux, carrés, sans aspérités, chirurgicaux. Seule la relation entre Leo et Cotillard développe un tant soit peu cette relation onirisme/émotion et offre quelque possibilité d'attachement à ces deux personnages (pour les autres personnages, et exception faite de celui d'Ellen Page, difficile de ressentir quoique ce soit envers eux, simples rouages dans une mécanique de grand casse très Ocean's Eleven, moins cérébral certes, moins "sérieux" mais aux seconds rôles pourtant plus étoffés). Le reste n'est pas plus immersif et touchant qu'un blockbuster de Michael Bay, même si c'est un peu plus intelligent.

Blockbuster, donc, un chouia au-dessus de la moyenne par son concept et le talent de mise en image de Nolan, ce n'est pourtant qu'un blockbuster parmi d'autres et loin d'être le chef d'oeuvre annoncé et encensé : Inception, déception.

Scott Pilgrim vs. The World

2010-12-16T11:21:00.000+01:00

Le film à ne pas rater en cette fin d'année 2010 est en train, malheureusement, de passer presque inaperçu. Pour l'anecdote, Scott Pilgrim VS The World n'aura eu le droit, en tout et pour tout, qu'à une seule petite semaine d'exploitation sur Clermont-Ferrand, pour une seule séance par jour à 22h20. De vrais bonnes conditions pour qu'un film trouve son public, n'est-ce pas ?

Mais râler ne changera pas grand chose, et surtout pas le fait que je suis persuadé d'avoir vu de la graine de chef d'oeuvre, là on l'on pourrait voir au premier abord, à coté de l'adaptation de la BD éponyme, qu'une énième exploitation du filon nerdogeek, entre relations sociales plus que bancales, sentiments refoulés, amours compliqués (la Ramona Flowers a 7 ex plutôt coriaces), rock lo-fi et nostalgie 8bit. Ce que Scott Pilgrim est, et qu'Edgar Wright ne renie en rien. Mais Edgar Wirght a l'art rare de savoir mettre en image des éléments improbables tout en offrant une véritable cohérence à ses créations (Spaced, Shaun of the Dead et Hot Fuzz). Et ici, le mélange improbable entre le canevas classique du jeu de baston (battre les sous-fifres et finir par le boss), un instantané plutôt juste et loin de la caricature de l'éternel ado (Scott Pilgrim est d'une immaturité quasi maladive, à contrario de la plupart des relations qui l'entourent, mais Ramona, sous couvert d'indépendance, n'est pas plus forte émotionnellement), une belle histoire d'amour, de l'humour et un visuel jeu vidéo référencé mais jamais too much, et servant l'histoire comme l'utilisation de cette "1-UP", cette vie supplémentaire qui permettra à Scott de prendre enfin sa vie en main, ici, donc, tout cela fonctionne avec un sens de la mesure tout en préservant la folie visuelle foisonnante qui tient de l'équilibrisme, tant la forme et le fond ne forment qu'un tout subtil, grisant et cohérent.

Avec Scott Pilgrim, Edgar Wright persiste, confirme et signe : il est l'un des réalisateurs les plus doués, les plus intéressants et l'un des plus honnêtes de ces dernières années. par sa capacité à ne jamais poser tel quel les influences diverses et gimmicks issus de la sous-culture comics/b-movies/JV que l'on croise dans ses créations, mais plutôt de réfléchir à créer à partir de tout ça un univers crédible et solide, un cinéma divertissant et intelligent. Car ce Scott Pilgrim vs. The World tient ses promesses de blockbuster d'auteur de bout en bout : spectaculaire, intelligent et attachant. Et je n'ai qu'une hâte : que le DVD sorte pour me délecter encore et encore de cette belle histoire d'amour et de cette folie visuelle. Et je suis prêt à parier mon slip que si ce film est un échec commercial, le temps saura donner raison à cette expérience unique.

My Jukebox Monthly (décembre 2010)

2010-12-15T12:21:00.000+01:00

Harry Potter et le Prince de Sang-Mêlé

2010-12-14T22:11:00.000+01:00

Pour l'Ordre du Phoenix, je concluais ma chronique sous la forme d'une question : le Prince de Sang-Mêlé confirmera-t-il le sursaut qualitatif entrevu dans le cinquième volet des aventures du binoclard le plus célèbre de Poudlard ?

Malheureusement non. Sans être un ratage façon Coupe de Feu, David Yates n'arrive pourtant jamais à prendre au corps son film, ses personnages, au point de ne laisser qu'un vague souvenir s'estompant trop rapidement au lendemain du visionnage dudit film.

Quelconque est un qualificatif qui n'avait pas encore été employé pour l'un des films de la saga ; c'est donc fait avec ce sixième volet, ni vraiment raté ni jamais vraiment réussi, même si je lui reconnais toujours deux qualités communes aux autres volets : son casting de seconds rôles et son décorum. Et comme pour le précédent, le début est pourtant plutôt immersif, les affaires des sorciers débordant de plus en plus chez les moldus, et l'arrivée du professeur Slughorn (très bon choix dans le casting en la personne de Jim Broadbent, british habitué aux seconds rôles chez Gilliam, Moulin Rouge, Bridget Jones et bien d'autres) à Poudlard (la première rencontre entre Potter et lui donne lieu d'ailleurs à une scène très potterienne, pleine de folie et de magie) est bien retranscrite, entre élitisme, flagornerie et petits secrets. L'éruption des sentiments, chez Harry Et Ginny, Hermione et Ron, est là aussi plutôt juste et bien dosée et le mystère entourant Rogue, sa relation avec Voldemort et les Mangemorts est également un bon élément du film.

Mais on retrouve aussi les vilains défauts de la Coupe de Feu, à savoir le manque d'homogénéité, le manque de liant dans les scènes et le montage. On retrouve aussi ce ventre mou présent déjà dans le volet précédent, qu'on lui pardonne bien moins ici eu égard au découpage à la truelle de plus d'une demi-heure du film. On s'agace aussi bien plus vite du manque de direction d'acteurs concernant les premiers rôles, Harry et Hermione encore et toujours en tête, et l'on se désole de la faible charge émotionnelle que dégage le film, visuellement joli mais qui a toute les peines du monde à nous faire tressaillir à l'arrivée des Mangemorts dans Poudlard et à nous retourner l'estomac face au choc que constitue le meurtre

de Dumbledore par Rogue.

La saga Harry Potter ressemble de plus en plus à une espèce de chose boursouflée et pourrie de l'intérieur, comme si globalement rien ni (presque, suivez mon regard lorgnant vers le troisième volet) personne n'aurait pu en tirer quelque chose de bon. On pourrait bien dire que le vrai problème des Potter au cinéma est l'œuvre littéraire, pleine de détails et de sous-intrigues (rarement ennuyeuses pourtant), dont ils sont tirés, mais ce serait oublier qu'ils n'ont été fait que pour profiter de l'engouement autour des livres, et que la transposition à l'écran de l'univers d'Harry Potter a avant tout servi un merchandising gigantesque, digne de Star Wars. Et si j'en crois les retours sur la première partie du dernier opus poudlardien, cela semble mal partie pour que je change d'avis en bout de course.

Et si j'avais dis, lors de ma toute première chronique poudlardienne, que je balayais la sempiternelle comparaison livre/film (tout en disant que les livres restent sans coup férir bien au-dessus de leur adaptation cinématographique), je ne peux, à l'heure actuelle, que vous dire que la relecture des 7 tomes vaut bien plus que toute cette pellicule gâchée.

Harry Potter et l'Ordre du Phénix

2010-11-29T21:54:00.003+01:00

Après le plantage de Mike Newell, l'arrivée de l'inconnu David Yates aux commandes du 5ème volet de la saga Potter pouvait, au mieux, laisser dubitatif. Mais, inconnu, Alfonso Cuaron ne l'était-il pas, ou à peine moins, pour le Prisonnier d'Azkaban ?

Car, sans vouloir mettre cet Ordre du Phénix au niveau d'Azkaban, je dois avouer qu'il m'a fallu réviser mon jugement à la hausse concernant ce film (bien que le jugement initial, à la sortie du film en 2007, n'était pas particulièrement négatif). Sans faire dans l'excellence, David Yates réussit à ne pas rater son film, malgré une baisse de régime en milieu de pellicule. Là où Mike Newell ne faisait pas ressortir grand chose des enjeux de la Coupe de Feu, on retrouve dans le film de Yates les principaux intérêts, les grandes lignes de force de ce cinquième volet : montée de la dictature d'Ombrage (mais en revanche sa prise de pouvoir effective est traitée plus mollement), Harry Potter qui prend conscience et accepte ce qu'il est et ce qu'il représente (plutôt bien rendu à l'écran, malgré le charisme bivalvesque de son interprète) et l'adolescence des personnages (et la naïveté de Ron, toujours remarquablement interprété par Rupert Grint).

Et même si chez Yates la réalisation se fait plus clinquante (de belles images mais peu de plans vraiment forts) que chez Cuaron, force est de constater qu'il arrive en revanche bien mieux à intégrer de belles séquences ou du spectaculaire dans sa narration, comme les scènes au Ministère de la Magie (où là encore les décorateurs font un magnifique travail), là où Newell pataugeait dans la semoule avec sa poursuite balai-dragon. Même l'affrontement entre les Mangemorts et l'Ordre est moins starwarsien que dans mon souvenir (il m'avait fait penser à la grande bataille de Jedi sur Geonosis dans l'Attaque des Clones), bien que manquant tout de même d'une certaine charge émotionnelle.

Si cela est valable pour l'ensemble des films et que je l'ai déjà écrit, je tiens une fois de plus à souligner la qualité de la mise en image des lieux, objets, petits détails ainsi que du bon goût du casting, en particulier pour les seconds rôles (les membres de la famille Weasley sont très bien campés, tout comme Neville Londubat ou Luna Lovegood) et l'oscar du "ça n'aurait pu être que lui/qu'elle" est attribué pour ce film à Helena Bonham Carter en Bellatrix Lestrange, aussi crédible que Rickman en Rogue. Et soulignons aussi le charisme de Ralph Fiennes, toujours aussi convaincant en Voldemort.

Même si on pourra reprocher au scénario d'avoir pour principal défaut celui de ne pas s'attarder sur la vie au square Grimaud (du coup, les rares scènes de l'elfe Kreattur et du tableau de la matriarche Black tombent un peu à l'eau) et que le décorum poudlardien, plutôt fidèle aux livres, joue aussi en sa faveur, David Yates fait le boulot et réussit à ne pas être à coté de la plaque. Et malgré les heures sombres qui s'abattent peu à peu sur Poudlard, Yates redonne des couleurs et un peu de crédibilité cinématographique à cette saga en pensant avant tout à réaliser un film, à raconter et à mettre en image une histoire avant de torcher un plan marketing sur pellicule. Confirmation pour le Prince de Sang-Mêlé ?

Harry Potter et la Coupe de Feu

2010-11-27T16:03:00.003+01:00

En voyant pour la première fois le Prisonnier d'Azkaban, je m'étais dit que cela était peut-être le signe d'un nouveau départ pour les aventures du magicien à lunettes. L'arrivée de Mike Newell (à la filmo éclectique, entre Donnie Brasco et 4 Mariages et 1 Enterrement, mais à l'époque pas vraiment le réal auquel on pense au premier abord pour mener la barque d'un Potter) ne m'a pas inspiré une grande confiance, mais je lui laissai alors le bénéfice du doute.

Si visuellement nous sommes dans la droite ligne de l'univers mis en place par Cuaron (intro brumeuse, réalisme de Poudlard, ancrage dans une modernité plus proche), difficile de ne pas faire la fine bouche au delà de la... neuvième minute du film. Car tout commençait pourtant bien, entre l'introduction dans la maison des Jedusor et arrivée à la Coupe du Monde de Quidditch, visuellement prometteuse. Mais les Mangemorts arrivent soudain comme un cheveu sur la soupe et révèlent dès lors le principal (si on fait fi des multiples et énormes différences avec le livre) défaut de la Coupe de Feu : sa narration.

Si quelques séquences ne sont pas désagréables (la scène sous-marine est bien fichue, la scène du bal a la classe, et Jarvis Cocker fait un fugace mais excellent leader de Bizzar Sisters), d'autres sont plus anecdotiques, voire ridicules, comme cette poursuite avec le dragon lors de la première épreuve de la Coupe de Feu ou comme l'arrivée des écoles étrangères. Et tout cela est enchainé à la truelle, sans transition aucune, ce qui donne près d'1 h45 mal fichue dans sa narration, dans sa logique et dans son intérêt en général. Pourtant, par un heureux hasard (car rien ne laissait présager quelque chose de réussi sur plus de 5 minutes d'affilée), la dernière demi-heure relève un tant soit peu le niveau. A partir du labyrinthe (séquence angoissante quoiqu'un peu rapide), on retrouve un peu de Potter et l'arrivée réussie de Voldemort (convaincant Ralph Fiennes), la mort brutale de Diggory, l'affrontement Potter-Voldemort et la révélation de la supercherie de Barty Croupton Jr. (jolie partition de David Tennant, le 10ème Doctor Who) redonnent un peu consistance à cette Coupe de Feu globalement ratée. Et je passerai sur la performance de plus en plus limite de Daniel Radcliffe, et du jeu très variablement convaincant d'Emily Watson.

Harry Potter et la Coupe de Feu est dans la saga littéraire un tournant majeur de la saga. Il est devenu un film très mineur, qui arrive presque à redonner du cachet aux deux premiers opus de Columbus (ce qui le sauve est par chance l'univers poudlardien que nous lui préférons largement aux opus de Columbus), laissant presque craindre le pire pour la suite et la fin de la saga, offerte aux mains de l'inconnu David Yates. Prochaine étape : Harry Potter et l'Ordre du Phoenix.

Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban

2010-11-26T20:57:00.003+01:00

Ne tortillons pas du popotin pour faire nos besoins droit : le Prisonnier d'Azkaban est à l'heure actuelle la meilleure adaptation à l'écran d'un volume de la saga d'Harry Potter.

Et j'ai eu beau regarder, comparer les fiches techniques du précédent volet de Columbus et celui-ci, les différences entre ceux-ci sur le papier semblent en apparence presque anecdotiques : augmentation du budget de 30M$, remplacement pour Dumbledore de Richard Harris (décédé après la Chambre des Secrets) par Michael Gambon (et à l'écran le changement passe comme une lettre à la poste) et l'arrivée d'Alfonso Cuaron (qui réalisera 3 ans après ce Potter-ci les Fils de l'Homme) à la place de Chris Columbus.

Si au scénario nous retrouvons le fidèle Steve Kloves (auteur des scénarios de tous les films à l'exception de l'Ordre du Phoenix), il semblerait que ce soit justement le changement de réalisateur qui ait fait toute la différence sur la pellicule. Bien sûr, Poudlard évolue aussi, moins magique, plus réaliste mais tout aussi enchanteur. Mais au-delà du décorum, Cuaron a réussi à saisir le cœur du livre, l'esprit, sans grands effets de manche, simplement en prenant son sujet sérieusement et révélant enfin à l'écran que l'intérêt d'Harry Potter ne réside pas dans la magie et ses oripeaux mais dans ses personnages. La relation entre Lupin et Potter, aspect important du livre, est également au cœur du film et est ainsi rendu avec beaucoup de justesse malgré les contraintes de l'exercice même d'un film estampillé Potter ( 2h10 pas plus, cahier des charges pointu, quota de merveilleux, etc...).

Car Cuaron n'en oublie pas non plus la commande, et à ce titre offre parmi les séquences les plus éprouvantes de la saga cinéma avec les Détraqueurs (enfin des créatures poudlardiennes dont le rendu à l'écran vaut celui des livres), grande réussite visuelle de ce film, ainsi que le très fun voyage en Magicobus. Difficile non plus de cracher sur le casting, que ce soit dans le choix des acteurs (le sous-estimé David Thewlis campe un Lupin au plus juste, Emma Thompson dans un contre-emploi aux petits oignons et le "ça n'aurait pu être que lui" du film en la personne de Gary Oldman en Sirius Black) ou dans la direction d'acteur. Car si le talent d'un Rupert Grint (Ron Weasley) explose, celui de Daniel Radcliffe est moins flagrant (mais il reste encore crédible dans le Prisonnier d'Azkaban) et la vision des épisodes suivants démontre là aussi que Cuaron n'a pas juste été un yes-man.

Par des enchainements simples mais efficaces (le fil des saisons vu du saule cogneur), il offre une narration aboutie, fidèle et prenante qui donne parfois envie de foutre une paire de claques aux producteurs afin d'offrir à Cuaron la possibilité de tout refaire, fantasme un peu vain et terriblement frustrant. Car si le Prisonnier d'Azkaban est en tout point ce qu'on était en droit d'attendre d'une adaptation d'Harry Potter, il révèle malheureusement les errements et la démarche avant tout mercantile de la Warner, qui fait de la saga poudlardienne, excellente d'un point de vue littéraire, un succés indéniable au cinéma, mais qualitativement boiteuse en ce qui concerne le septième art.

Harry Potter et la Chambre des Secrets

2010-11-23T10:37:00.002+01:00

Maman, j'ai encore raté Poudlard...

Chris Columbus, une fois de plus (de trop ?), bien content de n'avoir qu'à dérouler le fil propret du film-merchandising, ne nous offre là qu'un joli emballage (car une fois encore peu de critiques à faire quant aux décors, aux lieux, à la géographie et au folklore) prompt à rentrer dans le moule des produits dérivés. Mais les films tirés de la saga ne sont-ils pas eux aussi des produits dérivés plutôt que des adaptations ? Avec Columbus la réponse est sans nul doute oui.

Non pas que le film ne suive pas l'intrigue principale, il le fait correctement, bien que rapide sur Mimie Geignarde et le journal intime de Tom Jedusor. Mais à marchandiser pour un public-cible son film, il en perd toute magie, au delà du décorum. Il manque un souffle, y compris dans la dernière demi-heure malgré une partie d'échec visuellement très réussi, bien plus que l'affrontement avec le Basilic. Erreur de casting aussi, en la personne de Kenneth Branagh, à coté de ses pompes question flamboyance et suffisance de Gilderoy Lockhart. En revanche, et je le répéterai surement pour chaque film, Alan Rickman est définitivement LE Severus Rogue.

Bref, et une fois de plus, rien qui ne vaille vraiment plus qu'un divertissement familial vite consommé, un dimanche de pluie ou un jour férié...

Harry Potter à l'Ecole des Sorciers

2010-11-22T17:08:00.005+01:00

Comme je compte parler des 6 épisodes sortis à ce jour au cinéma, balayons tout de suite la sempiternelle comparaison livre/film : dans l'ensemble, les livres sont mieux, il manque un paquet de scènes, quelques personnages comme Peeves... Point, refermons tout ça. Mais c'est pas pour ça que les films sont ratés. Enfin, pas tous, mais je ne divulguerai pas mon point de vue sur les cinq autres tout de suite. Diantre, un peu de suspens...

Donc commençons par le commencement : Chris Columbus. Sûr que par rapport aux rumeurs (voire aux envies de l'auteure JK Rowling) qui faisait de Terry Gilliam le réal de ce premier volume des aventures du binoclard de Poudlard et l'un des réalisateurs de la saga tout court, Chris Columbus donne tout de suite moins envie, et je le préfère plus souvent comme scénariste ou producteur (Gremlins, les Goonies, la Nuit au Musée) que derrière la caméra. Ce choix montrait également un véritable choix marketing de la part de la Warner, préférant une vision plus enfantine donc plus bankable, au moins pour les deux premiers, les histoires se prêtant peut-être aussi à cet aspect gaminou.

Car, si visuellement nous ne pouvons guère nous plaindre de rendu à l'écran de Poudlard, de ses merveilles, de sa magie ni même du casting (rarement à coté de la plaque sur l'ensemble de la saga), à commencer par mon chouchou Alan Rickman (qui d'autre aurait pu être Severus Rogue ?) mais aussi Richard Harris en Dumbledore, Maggie Smith en McGonagall ou Robbie Coltrane en Hagrid, il n'en est pas de même pour le film dans son ensemble. Voilà juste un bon divertissement familial, calibré, dans les clous, gentil. Pas mauvais, non, juste assez bon pour ne pas s'ennuyer, mais pas assez pour avaler la pilule suivante : cette saga a moins besoin d'un VRP derrière la caméra que d'un réalisateur avec une vision de ce qu'est Harry Potter. Car Harry Potter n'est pas qu'une source de produits dérivés, et j'aurai bien assez tôt l'occasion de vous dire qu'un seul réalisateur a eu le temps d'un film cette vision de ce qu'aurait pu être Harry Potter au cinéma.

Et si cela passe bon an mal an pour cette adaptation du premier tome, sachez que j'étais tout de même plutôt soulagé que Chris Columbus ne prenne pas en charge toute la saga (bien que nous le subirons encore sur le deuxième tome) parce que bon, Maman J'ai Raté Poudlard, ca va bien 5 minutes...

Retour sur... The X-Files (1ère partie : 1993-1995)

2010-11-21T15:44:00.004+01:00

Il y a eu un avant et un après X-Files. Non pas que cette série ait changé véritablement la face du monde, mais ils n'étaient pas si nombreux ceux à prendre vraiment au sérieux les séries TV avant celle-ci. Il faut se souvenir du phénomène que ça a été, après plusieurs années au soleil de Magnum, Mac Gyver et Miami Vice ; le fantastique, la SF, le sombre, le glauque, n'ont pas fait vraiment recette dans les années 1980, alors que les années 90 voient le retour sur petit écran de Star Trek et l'arrivée de Babylon V, qui marquent, avec X-Files le retour en force de tous ces genres à la télévision, sans oublier l'anthologie Tales from the Crypt qui sévit depuis 1989 (et ce jusqu'en 1996). Souvenons-nous aussi du merchandising, des articles y compris dans la presse plus téléramesque, des débats sur la vision du monde proposée par cette série et de quelles séries (de qualité variable) ont suivi, embrayant sur le retour en grâce des petits hommes verts, des monstres en tout genre, des psychopathes et des gouvernements secrets : Profiler, Buffy, le Caméléon, Millennium (du même Chris Carter), The Nowhere Man (oubliée aujourd'hui, ultra paranoïaque et diffusée à l'époque sur C+), Roswell, Dark Skies... Lost peut même être considéré comme une descendante directe d'X-Files, par son ambiance paranoïaque, son fantastique-réaliste et ses mystères résolus au compte-goûte.

Mais en 1993, quand arrive X-Files sur la Fox, il n'est pas question encore de tout ça. La série a le droit à sa première saison mais personne ne mise vraiment dessus et il n'est absolument pas question d'imaginer les huit saisons qui vont suivre. D'ailleurs, Chris Carter envisagea à l'époque le dernier épisode de la première saison (The Erlenmeyer Flask, s1 ép. 23), comme une conclusion de saison et de série, au cas où il n'aurait pas la chance d'obtenir une deuxième saison. Mais dès le premier épisode (le pilote devrais-je dire), tout est là : gouvernement secret, manipulation de l'information, un informateur secret (Gorge Profonde) et un mystérieux Homme à la Cigarette. Et le second épisode (Deep Throat, s1 ép. 2) enfonce le clou, dans le même genre et dans une ambiance de défiance envers l'armée suite à la première guerre d'Irak et son étrange syndrome. En élargissant très vite le champ des enquêtes non classées (à l'époque pas besoin de faire suivre absolument un épisode avec un autre), X-Files n'échappe pas au coté "monstre de la semaine", mais son ambiance crépusculaire, sa volonté de coller à l'époque (les dates des épisodes correspondent à une semaine près au jour de diffusion sur la Fox), son sérieux et son allégeance au genre avec un grand G font mouche assez rapidement. Prenons pour exemple l'épisode Ice (s1 ép. 8), véritable The Thing sur 45 minutes, ou l'éprouvant When Darkness Falls (s1 ép. 20), qui se permet en même temps un petit message écolo pas dégueu, ou encore le magnifique et touchant Beyond The Sea (s1 ép. 13). Si le reste de cette saison n'est pas toujours du même acabit, ces épisodes-ci portent déjà la marque des scénaristes et réalisateurs qui vont faire X-Files : Glen Morgan, James Wong, Chris Carter, David Nutter, Rob Bowman. Et il ne faudrait pas oublié le duo d'acteur, David Duchovny et Gillian Anderson, rapidement convaincants.

Et tout ça offre en 1994 une seconde saison à X-Files, dans la lignée de la première, et qui débute avec la fermeture du bureau des affaires non classées suite aux événements de la fin de la première saison et à nouveaux les secrets du Gouvernement autour des extraterrestres (Little Green Men, s2 ép. 1), mais surtout avec le fil conducteur de toute la démarche de Mulder : l'enlèvement de sa sœur, supposément par les extraterrestres. Et un léger changement de cap s'effectue, avec désormais la volonté de s'inscrire dans une mythologie et donc dans une continuité. A coté d'épisodes isolés (dits loners) arrivent ainsi officiellement des épisodes dits mythologiques (le fameux enlèvement de Scully du double épisode Duane Barry-Ascension, s2 ép. 5-6 et sa "conclusion" dans le très beau One Breath, s2 ép. 8) et la série va garder cette architecture de saison jusqu'à la fin. Et un second double épisode (Colony-End Game, s2 ép. 16-17) enfonce le clou avec la soudaine apparition de la sœur de Mulder...

Si les épisodes mythologiques sont de qualité, le reste de cette seconde saison devient moins anecdotique, s'étoffe lui aussi. Les épisodes brassent larges, entre possessions, parasites, expériences gouvernementales de toute sorte, démons sadiques et même des (très décevants) vampires. On retiendra tout particulièrement l'angoissant Blood (s2 ép. 3) et le décalé Humbug (s2 ép. 20), véritable hommage au Freaks de Tod Browning, plein d'humour et voyant ainsi l'arrivée dans l'équipe de scénaristes de Darin Morgan, qui marquera les saisons suivantes par ses histoires toujours empreintes d'un humour salvateur, mais jamais à coté de la plaque.

Mais ce qui marquera véritablement un tournant, tel le meurtre de JR dans Dallas (en utilisant donc la technique dite du cliffhanger, dont Dallas est l'un des rares représentants avant X-Files), c'est l'épisode final Anasazi (s2 ép. 25). Cette fois-ci, Chris Carter est en confiance, la série s'installe et commence à se vendre, elle trouve son ton, son ambiance (les fameux crépuscules, les bois, la parano ambiante...), son public. Ce season finale ne va donc pas conclure la saison, mais plutôt annoncer la suivante. Et quand cet étrange wagon rempli de cadavres et enterré au milieu du désert explose sur ordre de l'Homme à la Cigarette, avec Mulder à son bord, c'est aussi l'explosion du phénomène que va faire d'X-Files la série, avec ER (Urgences en VF), la plus emblématique des années 90.

...à suivre : X-Files (2ème partie : 1995-1998)

Burn Notice, saison 3

2010-11-17T14:59:00.000+01:00

Que j'essaie d'être original pour parler de cette troisième saison de Burn Notice apparaît comme un véritable défi par rapport à ce que j'ai déjà écrit sur cette série.

Tentons donc une comparaison culinaire qui, je le précise, n'a qu'un rapport extrêmement capillotracté avec cette série (si ce n'est les origines celtiques de Miss Fiona Glenanne). Burn Notice, c'est un peu la recette des crêpes au sarrasin : pas spécialement compliquée mais facilement ratée, un délice quand c'est réussi (si vous voulez me nommer aux awards 2010 de la métaphore, ce sera gentil, mais cela ne le mérite vraiment pas).

J'aime cette série. Elle arrive à être spectaculaire, attachante, prenante, sérieuse et fun sans vraiment rentrer dans une surenchère saison après saison. Les personnages ne font pas du sur place, les bad guys ont la classe et Jeffrey Donovan y est tout simplement énorme (en VO uniquement, la VF ayant eu le don magique de transformer cette série en grosse bouse).

Cette série ne sera peut-être jamais un chef d'oeuvre ou culte. Peu importe, elle a la classe, et ça, ce n'est pas donné à toutes les séries. Et puis, promis, j'essaie de me racler la soupière pour la quatrième...

Amer

2010-11-16T17:15:00.000+01:00

Oui, Amer est une relecture et une réappropriation, par le duo de réalisateurs Hélène Cantet et Bruno Forzani, du giallo, genre italien mélant thriller parfois proche du fantastique et érotisme souvent macabre, très codifié (l'arme blanche et en particulier le rasoir, les mains gantés, les couleurs, les musiques...) et dont les représentant parmi les plus glorieux (et les plus connus) sont Dario Argento et Mario Bava (mais il ne faudrait pas non plus oublier un Sergio Martino dont Amer emprunte ici la musique d'un de ses films). Et s'il est bien tout cela, il en arrive même à en être, par la seule force (ou presque, les dialogues sont rares dans Amer) du langage cinématographique, une presque thèse universitaire sur le sujet, tant tout a été travaillé au détail près et se rapprochant ainsi d'un Lost Highway.

Et l'on pourrait craindre le pur exercice de style, car Amer est un exercice de style aussi. Mais c'est avant tout du cinéma. Certes maniaque dans son esthétique (mais le grand giallo des 70's l'téait tout autant), mais il nous raconte, ou en tout cas nous fait vivre des émotions à travers ses images. Et n'est-ce pas donc du cinéma ? Par un travail exceptionnel du son (preuve qu'il n'y a pas que sur du gros budget spectaculaire que le home cinéma 5.1 prend toute sa valeur) ey de l'image, Amer est avant tout une expérience sensoriel. Souffles omniprésents, gros plans d'une sensualité affriolante, perte de repères, onirisme érotique, angoissant et macabre à la fois, force des regards, ne serait-ce que d'un œil, et mystère omniprésent (femme en noir, hommes en noir...), tout cela nous permet de nous construire notre regard sur Ana, le personnage principal d'Amer, et nous démontre, s'il le fallait, la complexité et les tourments de la construction d'une sensualité, surtout quand fantasmes, angoisses et réalités se mêlent.

Car ils se mêlent jusqu'à nous faire douter de ce à quoi, à la fin du film, nous assistons. Et de se demander si Ana ouvre bien un œil à la dernière image...

Et permettez moi d'enrager contre les distributeurs et les exploitants de salle de cinéma, qui n'ont pas permis à ce film de voyager au delà de quelques salles de quelques grandes ville,s Clermont-Ferrand étant un des parents pauvres de l'hexagone de ce coté là. Car voilà typiquement le genre de spectacle, le genre d'expérience qui mérite un cadre tel qu'une bonne salle de cinéma.

Tron

2010-11-15T20:45:00.005+01:00

On le sait, les années 80 sont pour la firme de tonton Walt LA grande période de vache maigre autant artistique que financière, avec la fin de l'âge d'or Reitherman et consort (qui se termine avec Rox et Rouky), la faible rentabilité de la branche cinéma (Mary Poppins étant même considéré comme le dernier vrai gros succés de Walt Disney Pictures) et le futur (à l'époque de la sortie de Tron) four que sera Taram. Et Tron, du moins en terme de résultat au box-office, ne fera pas exception.

Il faut dire qu'en 82, si le jeu vidéo (sous forme de bornes d'arcade principalement, mais aussi des premières Atari) était en plein boum mais aussi à la veille d'un krach qui déplacera durablement le centre névralgique du JV des USA au Japon, tout ce qui concerne l'ordinateur, la programmation, les systèmes d'exploitation et les premiers réseaux sont encore pour beaucoup presque de la science-fiction, alors que tout cela se mettait pourtant en place depuis plusieurs années, sans pour autant que cela soit étendu au grand public.

Et si, d'un point de vue de l'histoire en elle-même, Tron n'a rien d'exceptionnel (sa fin est même un peu facile et plan-plan), il propose pourtant quelque chose de rarement égalé depuis : une vision plausible et imaginative d'un réseau informatique et de l'interaction des programmes avec un système d'exploitation et son architecture (qui dans le film est signifiante à tout point de vue), ce qu'est le MCP (Master Command Program dans le film).

De plus, Tron est indéniablement un jalon technique (d'une certaine manière, il ouvre la voie à la Motion Capture que Cameron utilisera dans Avatar) qui vieillit bien, à mon grand étonnement, et Steven Lisberger offre certains paysages numériques d'une beauté bluffante, malgré la linéarité et la géométrie des triangles, parallélépipèdes et autres polygones. Au delà de la prouesse technique, il y a cette tentative réussie de proposer une esthétique du pixel, sûrement pas évidente à l'époque mais qui prend toute sa valeur aujourd'hui. On pourrait même y voir du prophétique (ce qui au moins démontre que Tron est une création, et pas juste une commande, et que Lisberger connaissait bien son sujet), à l'heure où le logiciel libre fait peu à peu son trou, certains cherchant à se débarrasser de l'envahissante présence de Microsoft et de ses programmes interconnectés, tout comme les programmeurs de Tron cherchaient à se défaire de l'emprise d'un MCP omnipotent.

Malgré la tentative de reboot par Tron : Legacy qui arrive, je ne suis pas sûr que son illustre aîné ait un jour une aura plus grand public, moins geek. Peu importe pourtant, car Tron est le genre de péloche dont Disney peut être fier, aussi réussi techniquement, presque aussi magique que pouvait l'être Mary Poppins 20 ans auparavant (bien que, soyons d'accord, rien n'égalera jamais Mary Poppins) et loin d'être gagné par la sénescence. Je l'ose donc : Tron est un Mary Poppins nerdogeek.

L'Homme Qui Voulait Vivre Sa Vie

2010-11-10T08:13:00.002+01:00

Je n'aurai pas misé grand chose sur Eric Lartigau, le réalisateur. Après les deux très dispensables comédies Mais qui a tué Pamela Rose ? (très éloignée du délire télévisuel originel) et Un Ticket Pour L'Espace, puis Prête-Moi Ta Main, une comédie romantique déjà plus fréquentable, je pouvais être légitimement dubitatif quant aux qualités du sieur Lartigau. Mais des conditions défavorables à la vision d'un autre film initialement prévu, une bande-annonce accrocheuse et de bonnes critiques entendues par ci par là m'ont évité d'entrer dans la salle de cinéma à reculons.

J'éviterai de suite la comparaison avec le bouquin dont le film est tiré, ne l'ayant pas lu. Je me permettrai aussi d'annoncer tout de go que la fin est ratée, abrupte et mal amenée, ou que l'intention (doit-on voir un quelconque parallèle entre le parcours du personnage principal et le passager clandestin survivant ?) derrière une telle fin est loin d'être très évidente.

Mais malgré cette fin plus que décevante, nous avons là un vrai bon film, mariant avec aisance l'étude de mœurs bourgeoise, le thriller psychologique et une forme de quête intime entre dépouillement bienfaiteur et chemin de croix. Et les deux grandes parties du film (lente descente aux enfers à la fois subie et voulue puis création/recréation d'une vie) s'articulent avec beaucoup de finesse, les séquences muettes de road movie marquant lentement le passage d'un état à un autre. Mais compte tenu de l'histoire, Eric Lartigau ne tombe pas non plus dans le piège de la victimisation de son personnage, l'illusion d'une nouvelle vie vierge de tout passé ou d'un passé réinscriptible s'effritant lentement mais sûrement.

Malgré un ou deux effets de manche visuels mal venus, Eric Lartigau filme avec des qualités (sobriété, qualité des compositions) que je ne lui connaissais pas, qui explosent dans certaines scènes troublantes de justesse (celles où le couple s'étiole, où les enfants sont là au milieu des mensonges et du musée du Quai Branly...). De plus, Romain Duris (et je ne suis pas un grand amateur de Duris) nous offre une vraie composition et nous montre que les années lui permettent de sortir (Audiard est aussi passé par là) du cliché klapischien (Tomasi et consort) qui fait encore frissonner la vieille trentenaire nostalgique de ses années lycée. Je n'oublie pas le toujours impeccable Niels Arestrup, la talentueuse Marina Foïs et la charmante Branka Katic (vue dans Public Enemies).

Alors, oui, je pardonnerai à ce film sa fin, bien que je pourrais dire, un jour de mouron, que l'ensemble du film mériterait une fin à la hauteur. Mais compte tenu du sujet casse gueule et du passif du réalisateur, je pense tout de même que nous tenons là l'un des bons crus français de l'année 2010. Et vu le nombre de fois que je vais au cinéma pour aller voir un film français qui m'intéresse un minimum, autant en sortir avec cette impression, non ?

My Jukebox Monthly (Novembre 2010)

2010-11-09T17:02:00.000+01:00

Les Aventures de Buckaroo Banzai A Travers la 8ème Dimension

2010-11-08T22:15:00.002+01:00

Parce que j'aime les anniversaires et les comptes ronds, je ne pouvais pas passer à coté de ce 200ème post de ce blog. Et il fallait donc un film spécial pour cette occasion. Et ce film spécial ne peut être, pour moi, que Buckaroo Banzai. Vu au milieu des années 80 sur Canal+ un dimanche à 18h (je devais avoir 6 ou 8 ans tout au plus), il ne m'est resté longtemps de ce film qu'un vague souvenir, celui d'une voiture traversant une montagne, et ainsi l'impossibilité de savoir quel était cet étrange film dont il ne me restait que cet unique souvenir. Bien évidement, la seule évocation de ce souvenir auprès d'amis, de connaissance afin de satisfaire mon besoin de savoir se traduisait bien souvent par une certaine circonspection, voire une légère moquerie. Puis, il y a de cela quelques années, arriva mon très cher ami Tramber qui, alors que nous allions ensemble faire du rock'n'roll près du plateau de Gergovie, n'eut presque aucune hésitation à l'écoute de l'évocation de ce souvenir cinématographique et me répondit tout de go : "Cherches pas plus loin, ton film c'est Buckaroo Banzai". Et soudain tout s'assembla, et cette félicité atteignit son paroxysme le jour où ce même Tramber m'offrit le DVD dudit film. Et grâce à lui (et chantons ses louanges !), voici donc l'heure de la 200ème chronique de Strangeloscopiques.

Je ne le sais que trop, l'enfance est rarement un bon baromètre de la qualité d'un film. Et je comprends aujourd'hui tout ce qui avait pu me plaire gamin : SF foutraque, technologie bric à brac, héros au talents plus que multiples (chanteur à succés, neurochirurgien, physicien émérite, chevalier blanc...), invraisemblance des situations et méchants déglingués. Si sans aucun doute un tel film serait quasi inimaginable à l'heure d'aujourd'hui, le fait que quelqu'un ait pu l'imaginer, que quelqu'un ait choisi de le financer, que quelqu'un y ait cru assez pour le filmer et que tout ce beau monde y croit au point d'envisager une suite annoncée dès le générique de fin (The Adventures of Buckaroo Banzai Against the World Crime League ne verra jamais le jour suite aux résultats désastreux au box office) donne pourtant à ce film un abord sympathique.

Car s'il est impossible d'en faire un chef d'oeuvre oublié, il serait tout autant facile d'en faire un nanar (ce que d'ailleurs le site Nanarland ne fait pas) de part tout d'abord un résultat d'ensemble qui ne vieillit pas trop mal et d'une inventivité assez jouissive, malgré certaines faiblesses indéniables du scénario et du rythme général du film. Entre les extraterrestres qui s'appellent tous John (certains même ont choisi des noms du genre John Bigbooty ou John Smallberries, qu'on pourrait traduire respectivement par John Grocul et John Petitecouilles), un festival de cabotinage (à rendre malade les professeurs de l'Actor's Studio) de John Lithgow dans le rôle du grand méchant, le design des vaisseaux extraterrestres à l'opposé absolu du bon goût des lignes trekkiennes ou lucassiennes et un système capable de traverser la matière (car c'est donc cela qui m'avait tant marqué enfant) au volant d'une voiture (voire d'une voiture à pédale...), il y a cette espèce d'énergie foutraque qui me fait dire que ce film n'a qu'un seul gros défaut : celui d'être un film.

Transposez tous ces éléments dans un comics, et cela passe comme une lettre à la poste. Il y a là un véritable univers de comics, ce too much attachant que le neuvième art peut se permettre, là où il peut frôler le ridicule au cinéma. Mais ce too much, ici, est modeste, donc rafraichissant. La seule prétention ici est la tentative (ratée, tout du moins au box office) de proposer un nouvel héros, un univers original, avec ses codes et sa mécanique propre. Buckaroo Banzai n'a aucune volonté de réalisme et ne s'en cache jamais ; à l'heure (attention, ceci est un constat seulement...) où les héros des années 2000 ne peuvent être qu'ancrés dans un réalisme, une certaine vérité qui rapproche le plus possible leur monde et le nôtre, où tout doit avoir origine, histoire et motivation, ce genre de film aère nos cerveaux désormais marqués au fer rouge des héros sombres post-modernes, si sérieux, grand pouvoirs grandes etc...

Hostel

2010-10-28T22:07:00.000+02:00

Souvent cité comme étant à l'origine du déferlement de toutes sortes de torture-porn façon Saw (pfff....) et east-sploitation (l'ancien bloc de l'est semble exciter l'imagination des scénaristes), les deux souvent mêlés, Hostel est pourtant bien plus malin que ça, et loin d'avoir pour unique but d'enchaîner les séquences craspecs de tortures sans véritable discours.

Eli Roth prend ainsi un vrai plaisir à nous mener en bateau pendant une longue première partie, sorte de clone de comédie étudiante US volontairement lourdingue (baise et défonce dans la vieille Europe, seul objectif du voyage de deux étudiants américains) et où la promesse d'un paradis de la chagatte, d'un supermarché post-soviétique de la foufoune va les faire basculer dans la seconde partie du film, où Eli Roth place peu à peu ses pions (les longs passage très dérangeants où les filles discutent en VO, sans sous-titre ni pour nous ni pour les personnages...) et resserre l'étau d'une horreur ultra-libérale.

Car, nonobstant la volonté de réaliser un film de genre, Eli Roth nous propose une vision, une certaine idée du monde dans lequel nous vivons. Et ce n'est pas la chute du Mur et ses conséquences qu'il filme, mais plutôt ce dans quoi nous nous vautrons allégrement ; situer l'action dans l'est de l'Europe est tout simplement plus évocateur, plus parlant, plus directement opposable à la toute-puissance consumériste US (il joue ainsi avec les clichés d'usage sur l'Europe de l'est) qu'incarnent ses trois petits cons. Et n'oublions pas non plus que le premier mec à disparaître est un islandais : le commerce ne s'attache pas du détail des nationalités, mais apprécie le terreau de la misère pour s'y développer...

Hostel n'a aucune volonté spectaculairement voyeuriste, et cela a pu dérouter, certains s'attendant à la vision bien plus intensive de chairs à vif et de flots d'hémoglobine. C'est un brûlot, tout aussi ou même plus violent par ce qu'il démontre que par ce qu'il montre. Un film marquant, à part, un des grands films craspecs de ces 10 dernières années. Suffisamment en tout cas pour avoir fait fleurir un paquet de péloches se réclamant plus ou moins de la même lignée mais rarement (jamais ?) à la hauteur de la taloche XXL qu'est Hostel.

PS : juste pour l'anecdote, sachez qu'on retrouve à la BO d'Hostel l'excellent Nathan Barr, celui-là même derrière la non moins excellente ambiance sonore de True Blood.

All the Boys Love Mandy Lane

2010-10-25T15:51:00.004+02:00

Ne nous attardons pas sur les affres de l'exploitation ciné de cette péloche, datant déjà de 2006, tout fraichement sorti en DVD par chez nous, et longtemps bloquée par les frangins Weinstein, producteur dudit film, refroidis alors par l'échec commercial du dyptique Grindhouse Planet Terror et Death Proof. A la vision, du film, disons-le franchement : ils ont fait les cons.

Voici là une drôle de péloche, à la croisée des chemins d'Halloween, Bowling for Columbine, Carrie et Virgin Suicides. Avec une musique quasi anachronique, ou en tout cas en décalage avec les images, qui accompagne ainsi la camera flottant amoureusement autour de la troublante Mandy Lane, on n'est jamais vraiment sûr de ce que l'on regarde, et c'est par là que le malaise s'installe. Même si, peu à peu, on se rend compte de ce qui se met en place, la caméra n'est jamais vraiment neutre, laissant ainsi le charme de Mandy Lane nous happer, nous offrant un univers adolescent priapique, décérébré, mais pourtant terriblement pathétique dans sa recherche d'amour.

Slasher et chronique adolescente, Jonathan Levine réussit à tout point de vue ce film et nous offre en plus une vraie révélation : Amber Heard. Innocence, trouble et mystère, la jolie blonde joue, incarne, est Mandy Lane, sans fausse note, évanescente et omniprésente. Tous les garçons aiment peut-être Mandy Lane, mais les écrans l'auraient sûrement adoré, car Mandy Lane a été calibré pour le cinéma. A croire que les Weinstein sont passés à coté du charme. Quels cons, ces frangins...

True Blood saison 3

2010-10-24T14:50:00.000+02:00

Après une deuxième saison excessive, grand-guignol, charnelle et intense, on pouvait facilement craindre une baisse de forme pour la troisième. Si l'on est loin du priapisme de la précédente saison, cette troisième fournée annuelle des aventures de Sookie Stackhouse n'est pas sans qualité, loin de là.

Alors oui, si les séquences de sexe débridé, de poitrine dénudée ont basé l'essentiel de votre intérêt pour cette série, la troisième saison ne peut que vous décevoir. En effet, celle-ci est plus politique mais aussi plus sentimentale, plus psychologique, moins débridée. La reconnaissance des droits des vampires (la progression du vote de l'amendement est en filigrane une bonne partie de la saison) fait son chemin en façade, mais en coulisse les pions se déplacent, les alliances se nouent et avec la Grande Révélation (celle qui a révélé l'existence des vampires) se pressent derrière d'autres créatures dont le secret de l'existence ne tient qu'à un fil.

Dès lors, on ne s'étonnera guère de l'arrivée de garous divers, de métamorphes et d'une ou deux autres créatures dont je tairai le nom au risque de spoiler. On ne s'étonnera pas non plus de découvrir l'animal politique qu'est véritablement le vampire, à changer presque radicalement la perception de certains personnages. Coté humain, ceux-ci ont une fâcheuse tendance à être dépassé par ce monde débarquant dans leur réalité, subissant de plein fouet l'avènement de ces créatures, à commencer par Tara et le touchant LaFayette, l'un des personnages les plus attachants de True Blood.

Alan Ball poursuit ainsi avec constance (la saison est toujours organisée de la même façon : peu de question en suspens, aucune ellipse entre deux saisons, évolution des personnages) son fangshow trouble, décortiquant l'avidité liée au pouvoir et une Amérique sclérosée et fermée. Et l'on se demande bien ce qui attend la ville de Bon Temps pour la saison à venir tant le dernier épisode ouvre de portes, suggère des bouleversements à venir.

True Blood est le meilleur show, télé et cinéma confondu, de vampires et autres monstres depuis des années, car il ne passe jamais à coté des mythes, ne nie jamais les monstres, ne cherche pas le spectaculaire dans la monstruosité mais plutôt les failles, les désirs, les espoirs et les troubles. Et ça, Alan Ball nous a démontré par le passé qu'il savait faire avec Six Feet Under. Et il est en train de le réussir avec True Blood.

Bienvenue à Zombieland

2010-10-13T15:44:00.001+02:00

Difficile de ne pas être emballé par ce que propose Zombieland, à commencer par son introduction originale et efficace et son générique apocalyptique au son du Metallica grande époque ( avec Cliff Bole à la basse) "For Whom The Bell Tolls". Difficile de ne pas être emballé par le casting quatre étoiles, Woody Harrelson en tête en cowboy allumé et torturé (avec lui le banjo et le petit air de Délivrance deviennent littéralement mortels...). Difficile de ne pas tomber en pâmoison devant le gros cameo de Bill Murray dans le rôle d'un Bill Murray ultra hollywoodien, villa, robe de chambre en velours rouge et tout le bataclan. Difficile de s'ennuyer, enfin, dans ce zombie/road movie/comédie sans baisse de rythme, fun mais pas parodique, respectueux du genre, avec pas mal de bonnes idées (les fameuses règles de survie érigées en running gag, le détournement de la traditionnelle scène de contamination/élimination, l'absence totale de simili pouvoirs résiduels...) et offrant un final à la hauteur de l'ensemble.

Mais je ne crierai ni au génie ni au culte. Car si Zombieland est sans aucun doute un excellent film de zombie, je n'ai pu m'empêcher en le regardant de penser à Shaun of the Dead, le chef d'oeuvre du trio Wright-Pegg-Frost, tant ces deux films sont similaires par bien des points, et à se demander même si Zombieland n'est pas la réponse US aux zombies d'Albion. Entre cette volonté de ne pas jouer sur l'héroïsme, de proposer un un vrai film de zombies mais pas que, d'utiliser le quotidien et la routine et de la pervertir avec des zombies, cette volonté des personnages de maintenir ou de retrouver une cellule familiale rassurante, diffcile de ne pas voir un sérieux lien de cousinage entre les deux films.

Pourtant, là où Shaun of the Dead offre une grande subtilité (ne serait-ce que dans sa première séquence où nous passons tous pour des zombies) même dans la terreur ou les aspects les plus beaufs des personnages, Zombieland apparaît comme un blockbuster de qualité certes, mais ne jouant pas tout à fait dans les mêmes sphères de subtilité, où les personnages, même bien écrits, sont plus typés (le geek a désormais, si l'on en doutait encore, un potentiel héroïque et sexy ultra bankable) et le spectaculaire reste la clef de voûte. Et l'arrivée pour 2011 d'une suite (dont l'intérêt artistique et scénaristique nous laisse dubitatif) achève de me convaincre que j'ai regardé un film de zombie bien plus hollywoodien qu'il n'y paraît. Et bien que je me sois délécté de Zombieland, il n'est pas prêt de faire tomber son illustre ainé Shaun of the Dead de son piédestal.

Solomon Kane

2010-10-04T20:47:00.005+02:00

Si les films de sword & sorcery se font rares sur les écrans (il faut dire aussi que la fantasy en général n'est pas très bien lotie au cinéma), le genre n'est pas prêt de redevenir bankable avec Solomon Kane. Raté dans ses grandes largeurs, et hormis une introduction nord-africaine plutôt convaincante et prometteuse, le film n'est jamais à la hauteur de ses ambitions.

Enchainement de clichés (aaahhh, la sempiternelle marche seul dans la nature pour trouver sa voie, l'époque est sensée être sombre et dure et sans espoir donc il faut qu'il pleuve presque tout le temps, le final "vous avez lâché la bête maintenant ça va chier pour les vilains" mais pas de bol le film s'est planté allégrement au box-office mondial...), ellipses plutôt étranges (mais comment la famille de pilgrims retrouve Solomon Kane ? Et quel intérêt de marquer la jeune et pure damoiselle ?)), ce sont aussi un manque de lyrisme barbare et de charisme du héros (James Purefoy, vu à la télé dans Rome en Marc Antoine, nous fait une pâle copie de Hugh Jackman dans Van Helsing) qui font surtout défaut à Solomon Kane. Et que dire du ou des méchants qui, à la vue des premières minutes du film, s'annonçaient plus charismatiques : on nous offre ici un sous Général Kael (cf Willow et le lien hypertexte pour que le nom n'évoque rien) et un sorcier bien faiblard (on aurait pu attendre beaucoup plus de tout ce décor de miroirs maléfiques). Même certaines bonnes idées comme ce prêtre qui garde ses anciennes ouailles mortes-vivantes dans la crypte de son église ne sont jamais correctement exploitées.

Et malgré un casting de seconds rôles plutôt classe (Pete Postlethwaithe, Alice Krige, Max Von Sydow et la jolie Rachel Hurd-Wood), on en vient rapidement à s'ennuyer et à commencer par noter certains petits détails, lesquels seraient passés totalement inaperçus dans un contexte plus enlevé, comme ce détail qu'a noté avec un à-propos certain ma chère et tendre : qui allume et entretient le feu des torches d'un couloir qui semble peu emprunté, tout du moins par la tripotée de morts-vivants affamés et dont la nécessité pour eux de maintenir cette lumière semble toute relative, voir inexistante ? Et j'en aurais de fait une autre. A la vue de nombreuses séquences (une large moitié du film pour ne pas dire les trois quarts) se déroulant dans le froid, la boue, la pluie, quel secret ont les acteurs pour ne pas mourir de pneumonie ?

Wanted - Choisis Ton Destin

2010-10-02T09:09:00.000+02:00

Evacuons d'entrée l'inévitable comparaison avec la BD de Mark Millar (Kick Ass) qui est sensée être le matériau de départ du film : hormis le titre et le nom des personnages le film n'a pas grand chose à voir avec la BD. Il faut dire que l'on voit mal la Paramount (ou un autre studio) poser un gros chèque pour adapter une BD aussi violente et dérangeante. Ceci étant dit, passons dès maintenant à l'épluchage du navet.

Un nanar n'a pas nécessairement un budget rachitique et Wanted en est la preuve, s'il vous en fallait une. Et pour rendre au jardinier ce navet qui lui appartient, les facettes les plus nanardesques ne se situent pas sur les effets spéciaux et scènes d'actions, grand n'importe quoi explosif et jouissif à faire passer Michael Bay pour un esthète de l'épure. Le réalisateur (Timur Bekmanbetov, réal russe aux commandes du plus recommandable Night Watch, mega carton au box office de nos amis à chapka) s'en donne à coeur joie quand il s'agit de faire faire à des véhicules en tout genre les plus improbables cascades (sûrement les meilleurs moments du film). Notons aussi cette volonté de faire des gunfight et des bagarres ni matrixiennes ni Hong Kong style. Mais pour ce qui est du reste...

Vous cherchez un gros truc pas fin qui a préféré mettre l'essentiel de son budget ailleurs que dans le salaire de scénaristes compétents et plutôt dans les scènes qui font boum (et dans 10 secondes d'un plan sur la jolie croupe de la miss Jolie), Wanted est fait pour vous ! N'essayez pas de comprendre l'histoire, elle ne vaut pas grand chose, et tout le monde dans le film le sait (même Danny Elfman qui signe là l'une de ses BO les plus insignifiantes). Deux trois points de morale vous font tiquer ? Pouah pouah pouah, qu'est-ce que vous me racontez là...

Seuls quelques grammes d'intelligence affleureront étonnamment dans la carte postale du monde du travail, entre stress, pressions en tout genre, abêtissement dans l'enfer feutré des open space. Ormis cela, le sieur Timur signe un nanar fier d'être couillon et portnawak, ne misant pas grand chose sur l'intelligence de son propos et en reste de fait bien plus fun et facile à regarder qu'un paquet de croûtes se prenant pour un nouveau mètre étalon filmique. Mais pas de méprise, ne me faites pas dire ce que je n'ai pas dit, hein ? C'est du navet Tropicana : pur jus, pur premium, avec de la bonne grosse pulpe de navet dedans.

My Jukebox Monthly (octobre 2010)

2010-10-01T09:09:00.001+02:00

Jumper

2010-09-30T14:47:00.001+02:00

Bien, bien, bien.

Ca va être vite vu, vu qu'il n'y pas grand chose à dire. De bon, hein, je m'entends.

C'est pas que le concept soit mauvais, elle est même plutôt excitante, cette idée de ces jumpers capables de se téléporter un peu partout (on voyage du Michigan à Tokyo en passant par Londres, le Sphynx et le Colisée), et de ce pouvoir qui les rend oisifs, égoïstes, zappeurs consommateurs, très actuels somme toute.

C'est pas que ce soit mal filmé. Doug Liman, avec Mr & Mrs Smith et surtout La Mémoire dans la Peau, a déjà montré qu'il était largement capable de diriger des scènes d'action solides, sans pour autant délaisser le reste.

Et oui, il y'a bien quelques scènes bien fichues (le duel entre Samuel Jackson et Jamie Bell), les téléportations ont de la gueule (poursuite sympa et imaginative entre Hayden Christensen et Jamie Bell) et pour parler de ce dernier, Billy Elliot crève l'écran et pique à l'aise la vedette à Marcelus et Anakin. Et il est difficile de ne pas être envouté par les grands yeux noirs de Rachel Bilson. Voilà, j'ai fait le tour du positif.

Car le reste est d'un intérêt superficiel et bien que le film soit court (1h25) et que des suites étaient prévues (2011, peut-être), je me demande si l'heure manquante (si quelqu'un a compris quelque chose au pourquoi de la mission des Paladins, qu'il me fasse signe) aurait changé grand chose. Pourtant, on aurait bien eu besoin de deux ou trois éclaircissements et évité deux trois ellipses. Rajoutez dessus une sempiternelle histoire familiale qui ne peut être que tragique (attention spoilers, la mère disparue depuis 20 ans est en fait une paladin, arghhh, mon dieu voyez le dilemme qui s'annonce, car bien évidement celui-ci n'est dévoilé qu'à la fin, dans le but de se garder un peu de matière pour une suite).

Enfin, on se demande surtout si Doug Liman n'a pas profité de ce film pour se faire un petit tour du monde aux frais de la princesse, en rendant juste une copie moyenne, passable, proche d'un bon pilote TV (en série, ça aurait fait bander votre serviteur, un pilote pareil. En film, faut quand même pas exagérer non plus...), avec tout de même la sensation que s'il avait eu un scénario un peu plus riche (la grève des scénaristes était passé par là peut-être, et avait limité, on peut l'imaginer, l'accès au papier, à l'encre et à une pelle pour se creuser la soupière), le résultat aurait été bien moins proche du ballon de baudruche. Plutôt que de se lancer dans la désormais inévitable trilogie, un bon gros film d'action plus fourni, conçu comme un seul bloc, plus solide dans son univers et ses interactions, aurait été largement plus efficace.

Conclusion café du commerce, les concepts au cinéma, c'est comme des bouteilles de pinard sérigraphiés, c'est bien beau, mais ça rend pas la piquette meilleure*.

*Cette conclusion a été élue par l'auteur de ce blog meilleure conclusion du blog de tout le temps. Il s'en remercie d'ailleurs vivement.

Taram et le Chaudron Magique

2010-09-28T21:52:00.001+02:00

Il fut un temps pas si lointain où j'avais tôt fait de qualifier ce Disney sorti en 1985 de dernier vrai grand dessin animé sorti des usines à rêve de Tonton Walt, tout ce qui venait ensuite n'étant pour moi que vilaine soupe sur-assistée par ordinateur, sur-dégoulinant de chansons sirupeuses et boursoufflé de politiquement correct.

Mais qu'on le veuille ou non, il est jugement que le temps et les évènements de la vie vous obligent à reconsidérer. Et dans ce cas-ci, cela vient par une demoiselle de trois ans et demi qui s'envoie joyeusement depuis une bonne année une grande partie de l'œuvre de la firme de Burbank. Et force est de constater que les 20 dernières années sont loin d'être honteuses pour Disney. Et que Taram est loin d'être le film que j'avais en mémoire, comme une utopie prise à bras le corps et que le réel se fait un malin plaisir à nous renvoyer les scories dans la gueule.

Ils ont pourtant, pendant 12 ans de développement, tout fait pour sortir des carcans de Tonton Walt : pas de chansons ni de passages chantés au cours du film et une adaptation d'un univers d'heroïc fantasy, moins conte de fée, un peu plus sombre. Et vu le four à la sortie, Disney n'a rien fait pour valoriser depuis ce film. Alors oui, The Black Cauldron (en VO) est le film maudit de Disney, mais pas vraiment le chef d'oeuvre maudit que j'encensais jadis.

Plutôt faiblard dans son intrigue et ses ressorts scénaristiques (à part Gurki, les faire-valoir, à commencer par le ménestrel, sont ratés), son animation est également en dents de scie, le cul entre les chaise du style crayonné des Reitherman (Merlin l'Enchanteur, les 101 Dalmatiens, Bernard et Bianca...), de l'envie de se détacher de cet âge d'or (tout en étant écrasé par celui-ci) et des innovations et expérimentations visuelles que l'outil informatique commence à offrir. On passe ainsi de quelques détails des paysages réussis (les reflets des étangs possèdent un réalisme bluffant) à des séquences de poursuites où la gestion du relief et du mouvement ne sont pas dignes du standing Disney.

Et si l'on ne peut nier l'aura du Seigneur des Ténèbres (un grand méchant Disney à mon avis, avec Cruella, Jafar, La Reine et un ou deux autres), s'il faut saluer le réveil et la marche de l'armée des squelettes et enfin cette tentative d'échapper aux carcans de Disney, force est de constater que les tentatives plastiques ne masquent guère le manque de rythme global du long métrage, les lacunes d'un scénario trop léger et des personnages trop peu étoffés. Et on lui préfèrera sans souci son successeur chronologique, Basil Détective Privé, pourtant moins riche visuellement, plus classique dans son histoire, moins audacieux aussi (même si l'audace de Taram est souvent à coté de la plaque) mais plus enlevé, plus rythmé. Plus Disney peut-être aussi.

Taram et le Chaudron Magique ? De la réconciliation de votre serviteur avec Disney par une démarche de désamour objectif...

The Rocky Horror Picture Show

2010-09-21T16:59:00.003+02:00

Quelle mouche a donc bien pu piquer la Fox en 1973 pour produire le Rocky Horror Picture Show ? On avait beau être dans une période post-revolution sexuelle, où les moeurs se libéraient légèrement, où l'homosexualité, ou tout du moins l'ambiguïté sexuelle s'affichait un peu plus à travers les accoutrements de Ziggy Stardust et du Glam Rock, où le cinéma aussi commençait à traiter certains sujets plus frontalement. Mais difficile tout de même de comprendre le oui d'un gros studio pour produire ce film, mis à part le certain succés à Londres (le Rocky Horror Show fut joué à Londres sans interruption de 1973 à 1980) de la comédie musicale dont le film est issu.

Mais ce oui de la Fox, nous serons bien l'un des derniers à nous en plaindre. Passons sur le scénario capillotracté épais comme un kleenex et à l'intérêt tout relatif, là n'est pas le plaisir. Tout le plaisir du Rocky Horror Picture Show réside dans son outrancière singularité, cette volonté de faire un musical irrévérencieux, pas sérieux pour 2 sous, rock'n roll dans son sens cru et charnel, une péloche bis et fière de l'être, frontale, amorale et joyeusement foutraque. Rappelons-nous aussi quel choc a pu être un personnage tel que Frank-n-Furter, priapique bisexuel, transgenre joyeusement desaxé, assumant pleinement sa farouche volonté de tremper le biscuit transylvanien partout où la nature lui offre la possibilité. Un tel personnage, en 1973, n'avait rien de socialement évident, et pour se donner une petite idée des réactions hostiles de l'époque, je ne peux que vous conseiller de jeter un œil à l'épisode de la série Cold Case Creatures of the Night (saison 2 épisode 21).

Ultra référentiel (il deviendra pourtant lui aussi une référence quelques années plus tard), Rocky Horror Picture Show est une ode à la déviance joyeuse, à la SF de tout poil (la chanson d'introduction Science Fiction/Double Feature est bourrée de références et de clins d'œil à King Kong, George Pal, l'homme invisible et j'en passe) et au rock libérateur de la fin des 50's. Plusieurs des chansons sont de vrais petits bijoux, ne serait-ce que le Hot Patootie chanté par MeatLoaf, le Time Warp endiablé et sa chorégraphie suggestive ou l'effrontément sexy Sweet Transvestite.

Enfin je reste toujours agréablement émoustillé par la présence de la jolie Susan Sarandon, qui tenait l'un de ses 5 ou 6 premiers rôles sur grand écran, amusé par le duo Riff-Raff/Magenta et par le numéro de macho WASP de Barry Bostwick (que nous retrouverons avec plaisir dans le rôle du maire de NYC dans la plus que correcte sitcom Sin City), ébloui par la performance outrancière et ravageuse de Tim Curry en Dr Frank-n-Furter et toujours étonnamment surpris par la fin du film, totalement en rupture de ton avec le reste du film.

Certains voient en Rocky Horror Picture Show un authentique nanar, à la réputation gonflée par l'ambiance de ses projections cinés et son coté transgressif désormais ringard. Ringard, ce film l'est ouvertement et loin de moi l'envie de le sacrer chef d'oeuvre. Mais il y a un truc dans ce film, une sincérité, cette envie d'être outrancier, de faire un peu du portnawak mais de la faire plutôt correctement. Le Rocky Horror Picture Show, c'est une catharsis positive, 1h30 de défouloir à frustration pleine de mauvais goût qui fait du bien. Et, great scott !, le Rocky Horror Picture Show, ça fait du bien.

Wayne's World

2010-09-20T16:59:00.001+02:00

Que reste-t-il de cette comédie qui a connu un succés certain à sa sortie ? Et surtout, alors qu'elle faisait partie de mes comédies cultes au début de mon adolescence à en connaître (d'ailleurs toujours aujourd'hui) des lignes entières de dialogue, quel crédit lui accorder, au delà de la simple pâtisserie proustienne ?

Basé (comme quelques autres) sur des sketches de l'inoxydable Saturday Night Live, Wayne's World a eu du mal tout de même à dépasser ce stade et est essentiellement une succession de

sketches, liés entre eux par une vague histoire de récupération commerciale de l'émission éponyme. Mais il n'est pas spécialement question pour le film (voir les deux ou trois fins Scoubidou) de faire dans le scénario ultra fourni. Il a eu surtout la bonne idée de ne pas faire dans la parodie. Ici le rock est pris un peu au sérieux (Tia Carrere chante vraiment ce qu'elle chante, et les musiciens, même en playback, sont largement crédibles), la BO est assez honnête et ces intentions se voient à l'écran (il faut dire aussi que Penelope Spheeris, la réal, avait fait le docu The Decline of Western Civilization Part II : The Metal Years, ceci expliquant peut-être cela).

Si coté hard rock on a connu plus poilu en terme de musique, Wayne's World vieillit à mon grand étonnement plutôt bien. Quelques sketches restent de haute volée, ne serait-ce que l'introduction Bohemian Raphsody ou la rève de drague façon Garth sur le Foxey Lady de Hendrix, et le duo d'acteur Myers-Carvey fonctionne bien. On restera aussi toujours plutôt amoureux de la belle Tia Carrere (qui, je le rappelle, prête sa voix et de fort belle manière sur tous les titres d'Ultime Razzia). Enfin, coté casting, on soulignera les caméos sympathiques, du coté d'Alice Cooper (dont sa partie ne sera pas doublé en VF, ce qui reste assez rare), de Meat Loaf ou de Robert "T-1000" Patrick, et les seconds rôles savoureux, en particulier celui d'Ed "Al Bundy" O'Brien. Enfin, il faut aussi souligner (et cela avait même était un argument marketing lors de la sortie) le travail d'adaptation des dialogues en français (Chabat et Farrugia) qui, chose assez rare, arrive à garder la dynamique existante en VO et à être parfois plus drôle et inventive. Sans grande surprise, tout cela sonnera, à l'inverse, toc et sera globalement râté dans la suite de 1994

Pour répondre donc aux deux questions du début de cette chronique, il reste de Wayne's World, presque 20 ans après sa sortie, une comédie toujours assez drôle pour que je ne m'y ennuis pas et que je ris une bonne partie du film. A 12 ans, je trouvais ça génial, elle aurait été dans mon top 5 des meilleurs films de tous les temps, à n'en pas douter. J'ai vieilli, et heureusement, Wayne' World ne fait pas partie de mon top5 des meilleurs films, ou du moins des meilleures comédies de tous les temps. Mais assurément, Wayne's World est dans le top5 des meilleures madeleines cinématographiques de mon adolescence.

Tropic Thunder

2010-09-19T14:30:00.002+02:00

J'aime les gens qui crachent dans la soupe, quand c'est fait fait avec talent. Et indéniablement, Ben Stiller l'a, ce talent. Comédie du sérail, Tropic Thunder est pourtant féroce avec Hollywood, entre castes d'acteurs, course à l'oscar (Kirk Lazarus est l'acteur typique à Oscar, et il est tous ses rôles à 300%, jusqu'à en devenir noir, gay, idiot...), placements de produits (sachant que l'acteur est lui-même un produit), producteurs ogresques, adoptions d'enfants gérées comme une campagne de com' et tentatives désespérées d'acquérir une crédibilité par le virage du film sérieux, profond, etc. Bref, il caricature, mais pas toujours tant que ça, le microcosme du cinéma, jusque dans ses tics cinématographiques. Citons les bandes-annonces du début du film, dont l'inénarrable Satan's Alley, le "basé sur une histoire vraie" (Tropic Thunder est censé être un bouquin d'un vétéran) et surtout les références aux grands films vietnamesques, entre Apocalypse Now et Platoon (survol d'hélicoptères, napalm, pétages de plomb, amitié virile, musiques 60's et 70's).

Tropic Thunder n'est pas une parodie de film de guerre, même s'il en parodie certains tics. C'est une satire d'une grosse machine hollywoodienne, du rouleau compresseur hollywoodien, voire de son hégémonie (jusqu'aux rebelles du Triangle d'Or). C'est aussi un grand film portnawak, qui ose l'excés, le too much, le gras, le délire, comme Ben Stiller l'a fait dans ses précédentes réalisations Zoolander et l'excellent Disjoncté (avec une sacrée rupture de ton au 2/3 du film). Et si cette comédie est si réussie, c'est aussi grâce à un casting du tonnerre, entre Robert Downey Jr en Kirk Lazarus si sûr de son talent et tellement à coté de ses pompes, Tom Cruise en producteur despotique et fou et Nick Nolte en vrai-faux vétéran.

N'hésitant pas à emmener ses bonnes idées jusqu'au bout (tout cela ne peut que se finir aux Oscars, non ?), Ben Stiller ne verse pas non plus dans la dénonciation du système. Il s'en amuse énormément et nous offre juste un peu de recul, tout en nous proposant un vrai spectacle fun, malin, explosif et indéniablement réussi.

Malice in Lalaland

2010-09-02T10:01:00.002+02:00

Pour reprendre, moi aussi, un slogan gauchisant rentré tellement dans la logorrhée marketing qu'il en a perdu tout son sens (et je ne fais ainsi pas exception), un autre cinéma porno est possible, ou pourrait l'être. Et c'est comme ça que Malice in Lalaland se présente.

Je pourrais vous parler des heures du porno, de ce genre quasi mort-né tant ses excrétions sont devenus plus pop-corn que des films de Michael Bay (et je ne m'étendrai pas pas sur les diverses causes). Mais il y a quelques exemples, sporadiques mais marquants, pour prouver que scénario, ambition cinématographique et porno sont compatibles : l'onirique Behind the Green Door, le dérangeant The Devil In Miss Jones (et je suis d'accord avec l'ami Mariaque que je cite, un film ne permettant jamais une "excitation" véritablement "confortable") en sont 2 exemples flagrants. Ailleurs, on a vu que certains cinéastes estampillés comme tel réussissaient à faire du sexe "cru" un objet filmique intéressant (9 Songs), voire passionnant (L'Empire des Sens).

Alors, quand débarque cette année Malice in Lalaland qui affiche clairement quelques velléités transgressives quant aux canons pornographiques en cours depuis près de 25 ans (tourné en 35 mm, bande son résolument rock tendance lourde et, oh miracle!, un scénario fun et un tant soit peu fourni), on est en droit de lâcher un "youpi". Et on a le droit de cracher dans la soupe une fois le film visionné.

C'est bien filmé, jolis extérieurs, belle photo, ça fait presque un choc vu la pauvreté visuelle de 98% de la production X. L'histoire est plutôt barrée, bien menée, avec quelques références sympathiques, et des acteurs (oui oui) bien dirigés et crédibles, et ça aussi ça fait plaisir. Car c'est agréable de regarder un film, conçu comme tel, et pas comme un kleenex souillé, habituel et clichesque compagnon du moindre gonzo, où peu importe le début le milieu et la fin, tant que la dose de membres, d'acrobaties et d'orifice est au rendez-vous. Non, là, en regardant les premières minutes de Malice in Lalaland, on se dit : "enfin un porno que je vais avoir envie de regarder jusqu'au bout". Un vrai film, quoi.

Mais comme je disais plus haut, je vais cracher dans la soupe. C'est bien beau du 35mm, du rock qui tâche, un scénario bien fichu, de bons acteurs. Mais question sexe, on retombe malheureusement dans une production comme toutes les autres, même si celle-là est estampillée alt-porn (c'est à dire des filles pas siliconées, ce qui est il est vrai agréable, tatouées, piercés, et avec des réals aux vagues ambitions "alternatives", mais un porno qui reste pour la plupart du temps tributaire des majors du genre). Pénétrations au marteau-piqueur et attitudes typiques du porno US, montage cut et aucune tentative réellement de secouer le cocotier des clichés. A-t-on toujours besoin de voir l'éjaculation ? Faut-il nécessairement des mecs imberbes ? Le bassin d'un homme est-il absolument un mécanisme aussi frénétique ? Le sexe doit-il être nécessairement à part de l'histoire, avec le traditionnel découpage action/dialogue-scène X-action/dialogue-scène X etc...(et l'on sait, avec Behind the Green Door, que les frères Mitchell ont au moins réussi l'inverse une fois) ?

De fait, et face aux ambitions balancées à nos yeux d'amoureux transi d'un cinéma porno qui n'existe presque pas, je déclare cette tentative raté, purement et simplement. J'irais même jusqu'à parler de supercherie. Et la troublante et convaincante Sasha Grey (ainsi que Ron Jeremy dans un rôle hallucinant, pourtant...) ne peut rien pour sauver tout ça. Malice in Lalaland n'est qu'un porno kleenex de plus, à l'emballage pourtant haut de gamme mais au contenu largement jetable.

My Jukebox Monthly (septembre 2010)

2010-09-01T10:01:00.003+02:00

Burn Notice, saison 2

2010-08-31T10:01:00.001+02:00

Cette seconde saison de Burn Notice confirme tout le bien que je pensais d'elle lors de la première. Pourtant, rien ne change véritablement : Michael Western cherchant les raisons de son éviction, son coté chevalier blanc, la tension amoureuse entre lui et la belle Fiona et une mère jamais satisfaite mais toujours concernée.

Et une fois de plus, sur ce schéma classique, il y a une classe, un rythme, un ton, une qualité, un truc en plus qui fait que Burn Notice sorte à nouveau du lot pour cette seconde saison. De plus, le casting des acteurs jouant les seconds rôles récurrents ou les guest stars le temps d'un épisode est du haut de gamme : Tricia Helfer (l'icônique N°6 de Battlestar Galactica) qui joue une intrigante espionne, ayant les moyens de réintégrer Michael, Michael Shanks (Dr Jackson dans la série Stargate-SG1) à contre-emploi en espion psychopate, Silas Weir Mitchell (vu aussi dans Earl dans le rôle de Donny Jones) en marchand d'arme frappadingue ou encore la tronche de bad guy entre Tarantino et Michael Ironside de Mark Sheppard (l'avocat Romo Lampkin de Gaïus Baltar dans Battlestar Galactica, vu aussi dans l'épisode l'Incendiaire de la saison 1 d'X-Files, et plus récement dans Medium et la cinquième saison de 24).

Si cette série a définitivement quelque chose en plus et connait un certain succés aux USA, c'est peut-être aussi parce qu'elle propose une alternative plus légère mais pas débilitante dans le paysage actuelle des séries, où la froide réalité enveloppe beaucoup de séries policières (quelqu'un regarde encore CSI ?), avec des personnages toujours durs, implacables, plongés jusqu'au cou dans leur sacerdoce de métier. Matt Nix, le créateur de Burn Notice, a mis de la distance dans son show aux éléments scénaristiques pourtant peu édulcoré (prise d'otage, drogues, meurtres, mafia, trahisons diverses et cadavres un peu partout). On s'attache aux personnages, on s'amuse mais on se prend aussi au jeu, et les dernières minutes de l'épisode final nous rappellent aussi que le monde de Michael Western est impitoyable. Mais les personnages ne se garde pourtant jamais de sourire, et c'est finalement peut-être ça le truc en plus de Burn Notice.

I Love You Philip Morris

2010-08-30T14:42:00.001+02:00

A la vue de l'affiche ouvertement gay-kitsch, on pouvait craindre beaucoup de cette comédie. Vraiment beaucoup, quant on sait le potentiel outrancier d'un Jim Carrey, alors qu'on le connait aussi bon acteur. Qu'on se rappelle le touchant Truman Show, le magnifique (et l'un des plus beaux titres de film que je connaisse) Eternal Sunshine of Spotless Mind ou le plus ancien Disjoncté (où justement l'outrance comique laissait place à une folie débordante bien plus inquiétante, et jouée avec brio par Carrey).

Le film tient pourtant sur les épaules de Jim Carrey, mais grâce aux finesses d'un bon scénario, il ne devient jamais un show façon La Cage au Mask. Car malgré le point de départ, et l'histoire de ce personnage mythomane, plutôt gentil, amoureux mais rongé par des mensonges qui le dépassent, l'homosexualité là-dedans n'est qu'un aspect du personnage, et non le trait principal. D'ailleurs, la première demi-heure (brillante) nous montre un bon père de famille, puis la voix off (celle du personnage joué par Carrey) gratte peu à peu le vernis des images jusqu'à la "révélation" de son homosexualité (en tout cas pour nous spectateurs), qui devient ainsi non pas l'étendard du film (homo ou hétéro, cela ne change rien au personnage) mais plutôt le point de départ pour nous spectateurs de la découverte et de la plongée dans la folie de ce menteur pathologique.

Et l'on reste plusieurs foi estomaqué, proche du rire jaune, de l'aplomb d'un tel personnage navigant sans cesse entre manipulation et mensonge et sincérité amoureuse débordante (Carrey et McGregor forme un très beau couple à l'écran, crédible et touchant), jusqu'à l'immense machination finale que je ne vous dévoilerai pas. Jamais condescendant ni caricatural (Carrey est toujours à la limite mais jamais ne la dépasse), les deux réalisateurs Glenn Ficarra et John Requa, dont c'est le premier long, réussissent une excellente comédie, où seuls un ou deux flashbacks sur le personnage de Jim Carrey et sur sa précédente relation apparaissent chronologiquement peu clairs.

Et de se dire qu'il était finalement possible de faire des films avec des personnages gays, des comédies grand public, sans que cette orientation sexuelle n'en soit l'argument comique façon Pédale Dure. Et de nous offrir aussi une histoire d'amour certes folle, mais belle et touchante aussi, peu importe le sexe des personnages. Un Carrey mythomane, gay et follement amoureux : une mayonnaise improbable, une réussite délicieuse.

The Expendables

2010-08-25T23:49:00.001+02:00

Terriblement excitant sur le papier, non ? Retrouver la fine fleur du cinéma musclé des 80's et 90's dans un seul film, avec Stallone derrière et devant la caméra, s'occuper d'une narco-junte sud-américaine, le genre de scénario qu'on a plus vu au cinéma depuis une éternité, sûr que ça pouvait faire frétiller la cornée et l'adrénaline.

Excitant sur le papier, oui. Jouissif à l'écran, surtout. Sly réussit son pari, indéniablement, et sur tous les tableaux : scénariste, réal et acteur.

La réussite de ce film se base avant tout sur son scénario. Oui, le point de départ paraît éculé. Voir un ou des mercenaires détruire une junte corrompue et cruelle, on trouve ça dans pleins de bisseries plus ou moins recommandables, ou même dans des films très recommandables. Le problème était souvent le patriotisme et le coté libérateur de ces mercenaires. Ici pas de ça, ou pas tant que ça, et surtout pas de grandes valeurs américaines déployées et libératrices. Ce que les mercenaires font ici c'est un travail, terrible et usant ; ils ne véhiculent rien à part des armes et de la mort. Les seules valeurs qu'ils portent sont entre eux (confiance et solidarité), pas pour les autres. Stallone n'hésite ainsi pas à nous les montrer faillibles (le personnage de Mickey Rourke, mercenaire assagi, parlant de la Bosnie), jusqu'à la folie et la perte du dernier once d'éthique. Certains voient un psy, d'autres vieillissent un peu trop. On sent presque une routine terrible, des hommes vidés. On pourrait même presque y voir une métaphore (qui peut courir jusqu'au titre, littéralement "les consommables") de certains de ces acteurs, ayant connu la gloire grâce à ce genre de film puis ramant ensuite à retrouver une parcelle de reconnaissance, ou un rôle, une présence sur les génériques. Et d'ailleurs, question présence à l'écran, Stallone ne se réserve pas non plus la part du lion et offre pour chaque acteur (Rourke, Statham, Jet Li, Lundgren, le freefighter Randy Couture et Terry Crews) son vrai moment de bravoure et/ou sa grosse baston, et offre un vrai rôle de pourriture à Eric Roberts. On passera juste cependant sur la love story de Statham avec la toujours jolie Charisma Carpenter (Cordelia Chase dans Buffy et Angel), qui n'apporte pas grand chose ni au film, ni au personnage de Statham.

Côté réalisation, difficile de ne pas donner une excellente note à l'étalon italien, qui n'a peut-être jamais été aussi bon derrière la caméra. S'être remis en selle avec les icônes John Rambo et Rocky Balboa qui ont fait sa gloire (d'ailleurs dans chacun des titres de ces films, l'un récupère son nom et l'autre son prénom, d'autres que moi ont peut-être poussé plus en avant ce point étonnant) l'aurait-il soulagé d'un poids ? Reste que la réalisation est nerveuse, solide, réfléchie dans certains choix de narration (la dernière scène appelle la première), fluide dans les scènes d'action et offre le spectacle annoncé : du muscle, de la castagne, des flingues et un final littéralement explosif, porté, et je me répète, par un casting aux petits oignons, et sans aucune exception.

Dans tout ça, mention spéciale à Dolph Lundgren, le parent pauvre question succés chez les icônes du bis musculeux 80's, malgré quelques rôles marquants comme en soldat psychopathe dans Universal Soldiers (où il explose JCVD question présence à l'écran) ou, dans un registre bien plus barré, dérangeant et sans muscle apparent, en Preacher dans l'oublié Johnny Mnemonic. Dans The Expendables, le suédois crève l'écran et joue avec sobriété la folie, les fêlures de son personnage, rongé et vidé par son métier mais sans lequel pourtant il n'est plus rien.

Comme avec Rocky Balboa et John Rambo, Sylvester Stallone remet sur le devant de la scène ce qui a fait son succés, son iconisation, sa caricature. Pourtant, il ne crache jamais dans la soupe, car c'est aussi à tout un pan du cinéma de genre auquel il se réfère. Plus qu'un hommage sentant le formol, The Expendables est une déclaration d'amour à ces péloches, l'assomption pleine et entière de ces films pourtant décriés, moqués. C'est aussi une déclaration d'amour à ces icônes, ces tronches et ces athlètes qui ont fait les beaux jours de la location vidéo. Enfin, c'est un vrai film d'action, qui offre un spectacle âpre, sanglant, explosif, jouissif.

Moi qui est longtemps été plutôt Schwarzie (qui fait un cameo assez rigolo) que Sly, et il faut dire que l'autrichien a eu clairement le dessus qualitativement parlant (Stallone n'a pas eu son McTiernam ou son James Cameron) dans les 80's et 90's, il semble que le poids des années réussisse bien mieux désormais à Sly (et je ne parle pas de rides) et m'apparaît de plus en plus intéressant. Oserai-je un final façon couverture des Inrocks ou de Télérama ? L'oseraient-ils, eux ? Et bien je me le tente, avec la modération du point d'interrogation. Stallone et The Expendables, avènement d'un auteur ?